В московском Доме музыки в эти дни, с 4 по 25 марта, проходит большой международный Фестиваль музыки И.С. Баха.

Бах Коллегиум Штутгард

На открытие фестиваля был приглашен всемирно известный немецкий дирижёр и крупнейший исследователь музыки Баха Хельмут Риллинг. Он родился в 1933г. в Штутгарте, где и обучался в Высшей школе музыки, а татем в Риме и Сиене. В 1954 основал Гехингенский хор, работал органистом и хормейстером в церквях Штутгарта. В 1967 совершенствовал своё дирижёрское мастерство в Нью-Йорке у Л.Бернстайна. С 1970г. Риллинг – соучредитель и художественный руководитель Баховского фестиваля в Орегоне (США).

В 1981 он основал в Штутгарте своё самое важное детище – Международную Баховскую академию. Риллинг – один из крупнейших специалистов по хоровым сочинениям Баха. Он записал все церковные хоровые произведения великого немца – около 1000 кантат, ораторий, страстей и др. Маэстро гастролирует по всему миру не только со своим коллективом, но и с ведущими оркестрами мира, например, Венский и Нью-Йоркский филармонические, Оркестр японской корпорации NHK и другими. У него много премий за свои записи – Grammy, Echo-Klassik, премии ЮНЕСКО и множество других.

Сердцевиной Баховской академии является инструментальный ансамбль Bach-Collegium, созданный Риллингом в 1965-м. Четвёртого марта на открытии фестиваля исполнялись «Страсти по Иоанну» И.С.Баха под управлением Х.Риллинга. Германский мажстро привёз в Москву Bach-Collegium и международный состав солистов – сопрано Юлия Вагнер (Германия); контральто Кисмара Пессатти (Бразилия); тенор Йорг Дюрмюллер из Швейцарии, а также двух немецких баритонов – Даниэль Охоа и Клауса Хегера. В исполнении «Страстей» участвовал также академический Большой хор «Мастера хорового пения» Российского музыкального телерадиоцентра, художественный руководитель – профессор Лев Конторович.

На пресс-конференции Хельмут Риллинг особо подчёркивал, что это совместное немецко-российское исполнение Баха. «Музыка Баха принадлежит не только Германии, а всему миру» – заметил он. Бах сочинил своё произведение в 1724, позже не раз возвращался к нему, добавляя и изменяя партитуру. Существуют четыре редакции «Страстей по Иоанну», Риллинг выбрал для исполнения последнюю, четвёртую редакцию 1749 года. Либретто в целом составлено неизвестным автором, но, как считается, с участием самого композитора – возможно, им одним, с добавлением библейских текстов из Евангелия от Иоанна. Также использованы тексты М.Лютера, П.Штокмана и др. авторов.

Исполнение было грандиозным, величественным – масштаб этой музыки не предполагает иного подхода. Качество игры оркестра просто ошеломляло, посыл звука в зал был превосходным. Если другой оркестр будет играть, как оркестр Риллинга, разговоры о плохой акустике зала смолкнут (конечно, инструменты у оркестрантов тоже превосходные). Хор пел очень хорошо, артикуляция была отличной, а это не так просто, так как произведение написано на старонемецком языке, на котором сейчас не говорят. Как сказал сам Риллинг: «Я в восторге от русского хора».

Большой хор Российского музыкального телерадиоцентра был создан ещё в 1928 году, им руководили выдающиеся мастера – Александр Свешников, Клавдий Птица. Это выдающийся хоровой коллектив. Солисты тоже были на высоте – особенно хочется выделить сопрано Юлию Софию Вагнер. Она обучалась в Высшей школе музыки имени Листа в Веймаре и в школе музыки и театра имени Мендельсона в Лейпциге. У неё красивое, лёгкое сопрано и полётный звук. Её было слышно во всех уголках зала. Да и внешне хороша она – ей достались самые громник и продолжительные аплодисменты.

Трудную и важную партию Евангелиста исполнял Йорг Дюрмюллер. Он родился в 1959 в Берне, обучался в Высшей школе музыки Гамбурга. У него много записей вокальных сочинений Баха и Букстехуде. Дормюллер считается одним из лучших исполнителей роли Евангелиста в пассионах Баха, в чём слушатели концерта смогли убедиться..

Дирижёрская манера Риллинга простая и довольно скромная, жест ясный, эмоционально он сумел «зажечь» оркестр, хор и солистов. Но, главное, увлёк зал и донёс музыку Баха до сердец слушателей. Хочется поблагодарить руководство Дома музыки за такое блестящее начало фестиваля Баха.

Путь академической музыки к сердцу аудитории, казалось бы, весьма и весьма далёкой от неё – подросткам и взрослым фанатам компьютерных игр, прокладывают в филармонии Санкт-Петербурга.

hideki sakamoto30 марта во Дворце Белосельских-Белозерских впервые в этом городе прозвучит музыка к популярным компьютерным играм «No Heroes Allowed!» и «Echochrome». Дирижировать своими сочинениями будет сам автор – Хидеки Сакамото (Hideki Sakamoto).

Японский композитор родился в семье музыкантов в 1972 году в Токио. Он был воспитан на классической музыке, начал учиться на фортепиано с 4 лет. Посвятил себя сочинению музыки для компьютерных игр с ранних лет и на этом поприще добился значительных результатов. Многие его работы получили солидные национальные и международные призы – среди самых значительных и известных сочинений Хидеки Сакамото музыка к играм: «Echochrom», «Echochrome II», «No Heroes Allowed!», «Yakuza 2», «Patchwork Heroes», «Pok?mon Mystery Dungeon». Выпускник Университета Waseda, Хидеки, в 2004 году он основал компанию Noisycroak Лтд и стал ее генеральным директором.

«Echochrom» – игра, которая переворачивает с ног на голову представления о законах физики и устройстве мира. Геймплей Echochrome строится на использовании оптического обмана. Игровой процесс сопровождается саундтреком Хидеки Сакамото, что делает игру еще более увлекательной.

В первом отделении концерта в исполнении Санкт-Петербургского Государственного Академического симфонического оркестра прозвучит Первый виолончельный концерт Шостаковича. Дирижер Александр Титов, солист – лауреат Международных конкурсов Алексей Жилин. Комментирует программу известный петербургский пианист, художественный руководитель фестиваля «Северные цветы» Юрий Серов.

Два года назад вездесущий Джек Уайт образовал собственный лейбл Third Man Records, а вместе с ним и музыкальный магазинчик. Он располагался в городе Нэшвилле на юге США. Город является крупным центром здравоохранения, важным транспортным узлом, а также столицей музыкального стиля кантри. Ну и домом для Third Man Records.

Однако теперь магазинчику стало тесно в родном Нэшвилле, и он решил путешествовать, превратившись в передвижной The Third Man Rolling Record Store с винилами, флэшками, майками, сумками и прочим мерчем. Также магазин оборудован мощной саунд-системой, которая будет дарить радость окружающим. Всё это стало результатом сотрудничества изобретательного Джека Уайта с некими мастерами автотюнинга.

Джек планирует на днях открыть сезон первой Third Man-вечеринкой, чтоб затем отправиться на своем новом изобретении по различным фестивалям.

Том Уэйтс, Игги Поп, Моби и Maroon 5 и многие другие объединятся в новом проекте, созданном культовым режиссером Дэвидом Линчем. Им станет благотворительный сборник эксклюзивов.
Неиздававшиеся ранее mp3-треки от семнадцати музыкантов и групп выйдут под эгидой фонда The David Lynch Foundation, созданного режиссером. Новый благотворительный проект получил название DLF Music.

Помимо перечисленных авторов в проекте приняли участие Питер Гэбриел, Дэйв Стюарт из Eurythmics и куча других музыкантов.

Как мы все знаем, Линч является большим приверженцем и активным пропагандистом трансцендентной медитации, которую он практикует на протяжении вот уже 30-ти лет. Поэтому собранные средства пойдут на обучающие курсы по борьбе со стрессами, оздоровительные процедуры и обучение трансцендентной медитации.

Кампания с закачкой эксклюзивных треков продлится шесть недель. Подробности – здесь.

Фестивальное движение в мире расширяется, растет и крепнет. В Британии, например, Glastonberry отмечает сорокалетие рекордными продажами билетов, рекордным количеством сцен и участников. В честь 40-летия возрожден и Isle of Whight Fest, который известен прежде всего тем, что там состоялось последнее значительное выступление Джимми Хендрикса. Возрожден фестиваль в Небуорте под названием Sonisphere, который с успехом экспортируется еще в 10 стран Евросоюза – от Болгарии и Польши до Швеции и Швейцарии... Растут и ширятся Reading & Leeds Fest, GuilFest, GoNorth, и еще десятки других фестивалей классической, альтернативной, независимой рок-музыки, учреждаются новые фестивали, есть даже несколько фестивалей, где сцена отдана исключительно трибьют-группам… И нашу родину не обходит стороной позитивная тенденция – к давно ставшему традиционным «Нашествию» и на замену «Крыльям» за последние 2-3 года добавились «Сотворение Мира», «Рок над Волгой», «Кубана», «Движение», и ряд других. Что это, если не стремление меломанов всех стран и всех поколений слушать живую и настоящую музыку? Что это, спрашивается, как не наглядная демонстрация усталости от и бунта против усредненного, бездушного и бесперспективного контента (не осмеливаюсь назвать это музыкой или творчеством) событий, подобных навязшему в зубах Евровидению? Что это, как не еще одна наглядная демонстрация так называемого «кризиса носителя»?

Девиз рок-фестиваля, его стихия – «музыка, живая и настоящая, музыка здесь и сейчас, музыка вчера, сегодня и завтра!»

Итак – снова Донингтон, снова Даунлоуд. Беспрецедентно представительный line-up, список участников, вызывающий непереносимую зависть у любого, кто не смог купить, украсть, выиграть в лотерею или любым другим способом получить заветный билет, любыми правдами-неправдами пробиться, прорваться, просочиться в число зрителей. Да, Download-2010 обещает быть самым запоминающимся, самым значительным из всех. В силу рекордного количества сцен – их в этом году целых пять(!) – и рекордного количества участников посетить все выступления не представлялось возможным. О наиболее примечательных событиях, свидетелями которых нам быть не довелось, мы отчитаемся, опираясь на мнение наших британских коллег, пишущих для Classic ROCK – Джерри Юинга, Эммы Джонстон и нескольких знакомых корреспондентов FM-стаций и кабельных телеканалов. Наш особый спец-корр Уилл Сондерс о самых значительных событиях, свидетелем которых он был, расскажет своими словами.

ДЕНЬ ПЕРВЫЙ. Пятница, 11 июня.

Слухи, циркулировавшие вокруг выступления пятничных хэд-лайнеров – а это ни много, ни мало были это не кто иные, как AC/DC – задолго до самого выступления так возбудили и публику и прессу, что никого не удивляло, что австралийские ветераны тяжелого рок-н-ролла выступали на своей собственной, отдельной от Главной (общей для всех остальных групп), и сопоставимой с ней по размерам сцене, что мёрчендайз с символикой группы был сметен с фестивальных прилавков, и что все были почти уверены, что весь Даунлоуд-2010, или во всяком случае его пятничная программа – это просто антураж для придания солидности и обеспечения подобающей арт-подготовки перед собственно 2-х часовым концертом AC/DC. Все это и многое другое, что циркулировало в виде слухов, включая тот факт, что менеджмент AC/DC потребовал почти 2-х часовой перерыв между концертом Them Crooked Vultures и выступлением самих AC/DC – почти все подтвердилось. Но до начала их шоу у всех на устах был один и тот же вопрос – а доставят ли австралийские ветераны брутального и яростного рока удовольствие, сопоставимое с масштабом «понтов»? Но об этом несколько позже. А пока все по порядку.

По прибытии на фестивальную площадку к полудню пятницы ваши корреспонденты, представлявшие российское издание Classic ROCK и Metal HAMMER, были приятно удивлены двумя обстоятельствами:
во-первых, плотная пуховая перина облаков, укрывавшая небо над Британией всю предшествующую неделю, как по волшебству начала рассеиваться и к вечеру над Касл Донингтон и окрестными полями весело сияло солнце, обещавшее если и не зажарить всех и вся вокруг, то, как минимум, прилично подогреть, и, во-вторых, обнаружилось, что британское издание Classic ROCK приготовило для своих гостей свой собственный VIP-шатер в зоне бэк-стэйдж, который весьма скоро для нас, равно как и для всех остальных корреспондентов, музыкантов и селебритиз всех мастей стал центром притяжения на протяжении всего уикенда. Таким образом, все знаки того, что уикенд удастся, были налицо.

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Даунлоуд-2010 встречал нас зловещими, серыми небесами. Фестивальный генплан изменился весьма значительно – теперь парковки, кэмпинги, пресс-зона и все пять сцен были разбросаны по окрестным холмам, будто перетасованы, причем весьма хаотично, и казалось, что удаление объектов одного от другого в этом году неоправданно велико, что, согласитесь, не совсем хорошо… Что могло повлиять на решение организаторов фестиваля изменить к худшему то, что прекрасно работало в прошлые годы?
А как на счет одной группы, потребовавшей своей собственной сцены, расположенной по соседству с Главной, практически такой же по размеру, с двумя гигантскими батареями колонок 10 на 35 метров каждая и дорожкой, ведущей от середины сцены метров на 100 вглубь толпы? Хэд-лайнеры пятницы не пожелали делить сцену с кем-либо ешё?... Заносчивость? Востребованность? Да, и да! Согласны? Оправдываете? Ну, посмотрим позже… А пока на всех пяти сценах – праздник хэви-метал!»

Ко времени, когда на Главной сцене (МS) появились и начали свой (по задумке – весьма шумный, но на практике негромкий) сет крутые метал-корщики Unearth из Массачусетса, конечности, плечи, лица и шеи собравшихся успели уже слегка зарумяниться под проглядывающим сквозь тучи послеполуденным солнцем. Попытка создать некое подобие движения на Главной сцене (МS) и перед ней Unearth удалась лишь от части: печально, но факт – апломб, с которым они вышли на сцену явно не соответствовал уровню интереса публики и, увы, уровню готовности аппаратуры. Тут надо поставить неуд команде саунд-инженеров, что-то не успевших отладить даже к началу шоу выступавших следом 36 Crazyfists – заводные парни с солнечной Аляски старались, как могли, но (при никуда не годном звуке!) со стороны казалось, что если так пойдет и дальше, то Даунлоуд-2010 станет тишайшим, скучнейшим и спокойнейшим фестивалем года…

К счастью для всех, звукотехникам и саунд-инженерам удалось совершить подвиг и справиться с неполадкой. Наши прошлогодние знакомцы из Вестфилда, Массачуссетс, Killswitch Engage, играющие весьма мелодичный метал-кор уже в третий раз за 4 года выступают на Даунлоуд, что само по себе достижение. К началу их выхода на сцену проблемы со звуком были окончательно преодолены и не мешали более музыкантам играть, а собравшимся – отрываться по полной под ставший наконец-то плотным, чистым, разборчивым и по настоящему громким звук. 50-ти минутный сет KsE, возглавляемых сбрившим бороду Ховардом Джонсом, доставил немало удовольствия истинным фэнам группы и дал отличный заряд бодрости всем остальным. Как и в прошлом году, Ховард Джонс был одет вызывающе скромно и в своей небесно голубой рубашке и черных джинсах резко контрастировал на фоне Адама Дуткевича, вновь отличившегося неординарным подходом к выбору сценического костюма– гитарист почти весь сет носился по сцене в униформе супермена. Тем не менее, за исполненное им в конце сета соло (в трибьюте на Holy Diver покойного Ронни Дж. Дио) можно простить и не такие чудачества.

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): Killswitch Engage в этом году вновь произвели впечатление на изрядную толпу собравшихся: сбривший бороду и похожий на Морфеуса вкрадчивый Ховард Джонс смотрелся в строгих черных брюках и голубой рубашке с расстегнутым воротом как переодетая звезда хэви-метал в канцелярии суда, тогда как гитарист Адам в плаще Супермена и при неизменных бакенбардах изображал из себя разгневанную деревенщину, шокируя публику и провоцируя её на выплески восторгов. KsE отыграли классный сет, достигший кульминации в кавер-версии на 'Holy Diver' безвременно ушедшего Р.Дж.Дио»

Сказать по правде, все, что было на Главной сцене до Them Crooked Vultures было не настолько впечатляющим, каким могло бы быть выступление этой истинной супер-группы. Когда драйвовые, качовые рифы и ритмы а-ля Led Zeppelin зазвучали со сцены, фестивальное настроение и сам дух Даунлоуд стали наконец-то разливаться в сделавшейся к этому времени весьма плотной толпе. От супер-группы, каковой по определению является TCV, которая обласкана критикой и в прессе упоминается по любому поводу исключительно с приставкой супер, и на альбоме, по мнению ценителей, звучит супер-убедительно – от такой супер-группы, с ее богатейшим наследством и ценностями, можно было ожидать чего-то более впечатляющего, чем казавшийся бесконечным (хотя и весьма техничный) джем на темы песен с альбома, нагнавший скуку почти на всех, казалось, даже на примолкших к концу сета довольно многочисленных фэнов…

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Небеса оставались еще серыми к выходу на сцену Them Crooked Vultures, но ближе к середине их выступления над Главной сценой Даунлоуд засияло солне, окрестности как по волшебству оказались в самом центре круга ясного голубого неба – верховные боги хэви-метал улыбались с небес недавно созданной супер-группе. По мере их выхода на сцену по приветственному реву даже непосвященному было понятно, что на сцену выходят музыканты не совсем обычные, а бас-гитарист удостоился и вовсе нереально восторженного приветствия. Если вы – один из этих непосвященных, специально для вас поясняю: это все потому, что басист этот ни кто иной, как Джон-Пол Джонс собственной персоной!...Он был потрясающе хорош на сцене, показывая пример того, как надо играть рок свом более молодым коллегам по группе. Однако, получив на Главной сцене Даунлоуд 75 минут, и имея за спиной «всего лишь» один альбом, группа выдала студийный материал на одном дыхании и была вынуждена расширить и дополнить выступление за счет джема и спонтанных импровизаций. Эта джем-сессия двух полу-богов и одного полного бога хард-рока была, на мой взгляд, наиболее интересной частью выступления TCV – спустя примерно час от начала их выступления, практически все поголовно были введены в гипнотический транс зубодробительными ритмами и рифами гитары Джоша Хомма в стиле QOTSA, поверх которых многоопытный Джон-Пол Джонс наворачивал кружева завораживающих басовых импровизаций, поддержанных безудержным драйвом барабанов и сверкающих в закатном солнце тарелок Дэйва Грола…»

Тем не менее, для тех, кого не вполне устраивало происходящее на Главной сцене, был предложен широчайший выбор на еще четырех сценах, разбросанных вокруг быстро заполнявшейся прибывающей публикой фестивальной площадки.
Что бы там ни было на Главной сцене, а вокруг происходило еще немало интересного.
Покинув Главную сцену, мы заглянули на Сцену имени безвременно ушедшего Ронни Джеймса Дио (Ronny James Dio Stage, или, короче, RJDS) посмотреть, как проггеры из Ливерпуля Anathema, недавно выпустившие новый альбом We’re Here Because We’re Here – один из лучших британских метал-альбомов за многие годы, справятся с его представлением и исполнением любимой фэнами классики за всего-то 30 минут, предоставленных им для выступления. Они справились на «отлично», и даже были первыми из тех, кто с фестивальной сцены отдал дань уважения и памяти ушедшим недавно в Мир Вечного Рок-н-Ролла Р.Дж.Дио, Питеру Стилу, Полу Грэю и Стюату Кэйблу – нашли время для исполнения своих версий Sleepless и A Natural Disaster, которые были приняты на ура и стали отличным завершением их сета.
Заскучав от невразумительного начала на Главной сцене и удачно отметившись на Сцене им.Р.Дж.Дио (RJDS), мы направились с разведывательной целью прямиком на Red Bull Stage, спонсируемой популярным энергетиком, давшим сцене свое гордое имя. По прибытии туда сразу же стало понятно, что Taylor Hawkins & The Coattail Riders определенно заслуживают того, чтобы выступать на гораздо большей сцене. Справедливости ради скажем, что шатер, накрывший Red Bull Stage (RBS) был довольно большим и площадка перед ней легко могла вместить 8-10 тысяч фэнов, однако место Хоукинса, как члена Foo Fighters (а факт его присутствия в составе для любой группы – как козырный туз в колоде!) – явно на более значительных по масштабам сценических подмостках… но даже столь маловместительная для них сцена была заполнена под завязку преданными фэнами и просто любопытствующими – в равных пропорциях. Что на практике означало достаточное для любого из присутствующих количество удовольствия в течение их не слишком продолжительного 30-минутного выступления. Публика наслаждалась солнцем и свежим пауэр-попом в задорном исполнении Хоукинса с командой. До начала их сета высказывались предположения, что в ходе выступления на сцене могли бы появиться ради «джема всех звезд» свободные в тот момент Дэйв Грол и Джош Омм, однако этого не случилось, тем не менее, эффективное и беззастенчивое использование Хоукинсом наследия Роджера Тэйлора/Queen в своих опусах было достаточным для того, чтобы, даже при некоторой «нехватке звездности», доставить радость присутствующим.
Выступавшие следом, играющие прогрессив-метал-кор Devil Sold His Soul из Лондона/южной Англии, могли показаться слишком брутальными или даже неприличными – в разгаре их сета на сцену даже выходил стэйдж-менеджер с предупреждением по поводу допущенных ими непристойностей… однако, судя по лицам музыкантов, группу предупреждение не слишком-то впечатлило и они до конца сета были свидетелями и вдохновителями разворачивающегося в толпе фанатов хаоса.

Возвращаясь на Главную сцену мы прошли мимо RJDS – там уже заканчивали играть Coheed & Cambria, которых мы помним по их выступлению на главной сцене DL-08. Их творчество неоднозначно воспринимается как критикой, так и публикой – неоспоримо прогрессивный и все более тяжелый год от года саунд группы непостижимым образом привлекает на их выступления весьма многочисленных эмо, возможно потому, что в начале карьеры C&C выдавали больше эмо-, чем прог-метал саунд, но время шло, прог-метал-искания и стремления группы взяли свое, а эмо-фэнбаза осталась... В выступлениях при свете дня для любой группы существует опасность недостаточного воздействия на публику в силу невозможности использовать в полной мере сценический свет – но это был явно не тот случай. Сегодня – день бескомпромиссного прог-метал: по большей части материал с их последнего альбома The Black Rainbow, но и лучшее из более раннего творчества группы не было забыто – задор, драйв и напор таких вещей как, например, No World for Tomorrow позволили C&C снять все вопросы по поводу их прогрессив-метал состоятельности.
Вышедшие следом Bullet for My Valentine, которые так же на Даунлоуд отнюдь не новички, и после своего выступления на Главной сцене DL-08 удостоились в этом году быть хэдлайнерами второй по значимости сцены, начали сет с драматически напряженной версии O Fortuna Карла Орффа (саундтрек к Omen), как будто это была их собственная композиция и их собственная сцена, что становится все более похожим на правду… Мэтт Так поблагодарил фэнов за то, что их преданность привела последний альбом BFMV Fever к успеху и он прочно занял место в Top 5. По всему видно, что BFMV становятся командой, способной завести и довести до исступления вполне фестивального масштаба толпу фэнов даже не вспотев… толпа пела вместе с группой частично акустическую All These Things I Hate и бесновалась под металлическую атаку Scream Aim Fire – это было уверенное, вдохновенное и совершенно безупречное выступление.
А тем временем в предвкушении эпического концерта AC/DC в зоне бэк-стэйдж и пресс-зоне быстро распространился слух, что хэдлайнеры уже готовы появиться на сцене с неудержимостью лесного пожара и несокрушимой энергией локомотива. Бескрайние толпы фэнов, предвкушавших праздник самого брутального и тяжелого рок-н-ролла, стекались отовсюду и собрались перед гигантской сценой, не уступающей размерами находящейся справа по соседству Главной. Отдельная, предназначенная исключительно для выступления AC/DC, сцена была увенчана справа и слева двумя гигантскими знаменитыми рогатыми шапочками Ангуса, оснащена впечатляющими пирамидами бэк-лайна, макетами пушек и прочей атрибутикой. Дорожка, ставшая привычной с начала Black Ice-тура, выдавалась далеко вперед, разделяя, как волнорез, безбрежный океан зрителей, готовых бесноваться и ликовать.

И вот, когда казалось, что терпение 120-тысячной толпы уже на пределе, раздались звуки вступления из Black Ice и рев толпы стал оглушительным, взорвав должно быть, не только барабанные перепонки, но мозги всех без исключения, и затем, хотя это было уже невозможным, рев достиг запредельных значений громкости, когда циклопических размеров паровоз выехал на сцену из правых кулис, и с первыми звуками гитары Ангуса, заигравшего вступительный рифф из Rock ’N’ Roll Train, 120 тысяч человек синхронно начали размахивать хайром и поднятыми вверх руками. Вид этой толпы был пугающе прекрасен.
Сказать по правде, впечатление от начала сета AC/DC было несколько смазанным – Брайан Джонсон в произнесенной после первого номера приветственной речи не упомянул ни разу о событии, в рамках которого они выступают хэдлайнерами (как буд-то нет никакого Даунлоуд-2010), едва пробурчав несколько дежурных приветственных шуточек. Но внезапно все изменилось, и вышесказанное потеряло смысл – когда подобное церковному хоралу вступление к Thunderstruck наполнило воздух и с первым же рифом абсолютный и окончательный восторг захлестнул толпу. С Thunderstruck и до самого конца – это был убийственный сет: хит за хитом Dirty Deeds Done Dirt Cheap, Highway To Hell, High Voltage, The Jack, Riff Raff, Whole Lotta Rosie – перечислять все не имеет смысла, ведь каждый наперед знает м сет-лист и то, что AC/DC играли с напором и только им присущим непринужденным стилем, сделавшим их действительно уникальным рок-н-ролльным феноменом. Только AC/DC знают, как тремя-четырьмя аккордами можно сплотить, объединить и заставить дышать и кричать в унисон стотысячную толпу.
И когда над безбрежным людским морем при безоблачном небе зазвучал громоподобный вступительный рифф Let There Be Rock, все вокруг, казалось, уже достигли предела, за которым небытие… но это был еще не конец! AC/DC подали фирменный десерт: под вступление к For Those About To Rock в дело вступили пушки!
Ну, кто-то мог бы сказать, что неплохо было бы обновить и разнообразить сет-лист, отправить в архив навязшие в зубах «устаревшие трехаккордные хиты» и заменить и чем-то более подобающим, какой-то брюзга, возможно, скажет, что пушки на этот раз были не такими уж и громкими, а фейерверки, сопровождавшие уход хэдлайнеров со сцены под неутихающий рев толпы были не такими уж и пышными (а кто-то, напротив, скажет, что это было вопиющее нарушение техники безопасности и коллективный невосполнимый урон здоровью) – несмотря ни на что, это было шоу, с которого все вместе и каждый по отдельности уходили с таким восторгом на лицах, какой вам едва ли доводилось видеть.
И пусть кто-то скажет, что Брайан Джонсон «уже не тот», и пусть порой он пытался достичь своих верхних нот с таким же трудом, с каким гном дотягивается до журнала на верхней полке шкафа, и пусть Ангус Янг в свои 55 казался кому-то нелепым в школьной униформе, и еще более нелепым в процессе стрип-шоу до шортиков – все равно для подавляющего большинства шоу AC/DC – это чистый восторг! Более чем достойное возвращение в Донингтон после триумфального участия в Monsters of Rock в 1991-м!

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «После окончания сета TCV все, в надежде занять лучшие места, ломанулись к расположенной по соседству «персональной AC/DC сцене» и некоторое время до появления хэд-лайнеров обсуждали гигантские батареи колонок с надетыми на них подобающего размера надувными шапочками Ангуса с рожками, обвисшими из-за недостаточного давления воздуха подобно увядшим цветкам… а чего еще можно ждать от группы, за более чем 37 лет беспробудного рок-н-ролла – не более чем изможденных, бледных теней самих себя из дивного давнего прошлого…
Но вот на огромном экране в середине сцены замелькали кадры приближающегося на запредельной скорости паровоза, с Ангусом Янгом в роли машиниста. Паровоз на экране все разгонялся и разгонялся, экран пропал в дыму, и из плотных клубов дыма на сцену ворвался паровоз и откуда-то снизу поднялся собственной персоной Ангус Янг с верным Gibson SG и предсказуемо начал с Rock and Roll Train, и с этого момента более не требовалось токазательств того, что AC/DC заслуживают отдельной сцены! Чёрт, они могли бы получить не то, что отдельную сцену – они могли бы основать свой собственный фестиваль!.. и каждый это понял бы и одобрил! Рифф за риффом, хит за хитом, AC/DC провели свою жаждущую аудитория по всей Дороге в Ад (Highway to Hell), звонили в Адские Колокола (Hells Bells), познакомили с Любвеобильной Роузи (Whole Lot of Rosiе) и в своем классическом стиле под канонаду пушек закончили песней For Those About to Rock (We Salute You) – и совершенно охрипшая, как и Брайн Джонсон, толпа заглушала пушки ревом ликования…
Два часа неподражаемого и бескомпромиссного шоуменства! Ангус все еще способен носиться по сцене, как демон рока, и вся группа ему под стать – крепки, прочны и точны, как никогда прежде. С такими фронтменами на авнсцене, как Ангус и Брайан – AC/DC все еще способны держать в кулаке многосоттысячную аудиторию, добрых три четверти которой годится им во внуки. Кому какое дело, насколько они постарели?!... И что за идиотский вопрос – сколько им лет?.. Ведь у рок-богов нет возраста, и они никогда не стареют! Вот если бы они были еще и бессмертны…»

Пушки отгремели, фейерверки отсверкали… Концерт окончен! Первый фестивальный день завершился. А после... после оставалось только одно – отправиться в шатер Classic ROCK и хорошенько отпраздновать это дело. Ну, и еще кое-что…

ДЕНЬ ВТОРОЙ. Суббота, 12 июня.

Этот день, напомним, был днем первой игры команды Англии на ЧМ-2010, и некоторые наши британские коллеги, казалось, были больше озабочены происходящим в далекой Южной Африке, а не здесь на Даунлоуд… Многие из тех, кто ушел куда-то смотреть футбол, ругали потом по возвращении какие-то вувузелы (что бы это ни было) и, сплевывая сквозь зубы, обсуждали какого-то «бедолагу Роберта Грина», те же, кто не был столь серьезно инфицирован «футбольной бациллой» всю субботу наслаждались солнышком, пивком, самой разнообразной тяжелой музыкой и несколькими удивительными кам-бэками. Набор этих многообещающих кам-бэков начинался от горьковато-сладкого (Deftones) до поразительного для его возраста акробатично-глэмового (Michael Monroe) и совершенно неправдоподобно-триумфального (Rage Against The Machine).
Наше утро началось с посещения Pepsi MAX Stage – там было удивительно многолюдно для 11 утра: народ собрался послушать многообещающих парней из Лондонского пригорода Кройдон под говорящим названием Godsized. В июле должен выйти их дебютный ЕР, и приглашение их на Даунлоуд, поверьте, не случайность.

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Понятно, от чего у них такое название Godsized – парни ростом под два метра!... а как они при этом играют? Да просто здорово! Трэш- и спид-метал с легким привкусом ностальгии, море энергии и добродушного драйва. Как позже говорили на интервью сессии вокалист и гитарист: «мы пробовали в начале карьеры играть с коротышками – фан не тот, да и нервные они какие-то…» Так или иначе – они были первыми в субботу, и это было клёво. Если еще принять во внимание, что народу набился полный шатер – 5-6 тысяч человек, не меньше, и чисто технически закрывшие пятничную программу AC/DC были для них, что называется «на разогреве»… Круто для новичков! Удачи, вам, ребята!»

Суббота была отдана не только «старичкам». На Главной сцене весьма примечательным было выступление Atreyu, в последнее время уверенно дрейфующих от исконного для них пост-хард-кора к метал-кору и альтернативному металлу, к сожалению прошедшее перед весьма воодушевленной, но сравнительно малочисленной аудиторией, а одним из самых ожидаемых было выступление на RJDS молодых канадцев из Торонто Cancer Bats, уже выступавших на Даунлоуд в 2007-м. Ребята играют невообразимую гремучую смесь из грув-метал и панк-кора и признаны в Британии и Северной Америке одной из самых востребованных из гастролирующих ныне групп. Им удивительно удается сочетать подлинное удовольствие от выражения шумной музыкальной ярости со способностью поддерживать у аудитории ощущение, что на сцене парни, живущие по соседству, которых всю жизнь знаешь, и они «влегкую» оттягиваются ради собственного удовольствия.

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Выступление Atreyu было на ГС отнюдь не первым, и началось перед не вполне раскачавшейся и довольно редкой еще в послеполуденное время толпой, тем не менее, парням из Atreyu удалось высечь искру интереса и раздуть пламя энтузиазма в сердцах собравшихся. Cancer Bats на RJDS, напротив, практически взорвали сцену и аудиторию с самого начала, точнее сказать – это сделал в основном фронтмен Liam Cormier – он как шаровая молния ярости, как воплощение духа метал-кора, метался над самым краем сцены, перегибался через барьер и головы секьюрити, и, казалось, стоявшие у первых рядах могли не только потрогать его, но и слышать его яростный вокал без микрофона… Позже в пресс-зоне я был свидетелем, как к Лайаму подошел Брэд Уилк, барабанщик RATM, субботних хэд-лайнеров, и благодарил за отличное выступление.
Выступавшим следом идолам готик-метал We Are the Fallen, имеющим в составе бывшую конкурсантку ТВ-шоу American Idol и трех бывших участников Evanescence, разумеется, никогда не дотянуться до уровня Cancer Bats, но для поклонников музыки типа Evanescence это все равно… Вы же, слушая их, скорее всего, да хоть у них солистка трижды раскрасавица, пожелали бы «что б вам провалиться, ни никогда не подняться»…»

Тем временем на Главной сцене шоу продолжалось своим чередом: уверенно отыграли наши прошлогодние знакомцы – Five Fingers Death Punch, чье выступление, увы, высекло искры хаоса и жестокие слэм-хороводы закружились с разрушительной силой вокруг сцены. Попытки фронтмена Айвана Муди выйти к публике с рукопожатиями лишь спровоцировали еще больший беспорядок… Следом на Главную сцену вышли Lamb of God и зерна их агрессивной метал-атаки упали на подготовленную 5FDP почву – на протяжении 50-минутного сета размах слэм-хороводов и градус агрессивности лишь повышались…

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС):

«Lamb of God: превьюLamb of God играют свой собственный стандарт «чистого Американского хэви-метал» - эти слова начертаны на полотнище на заднике сцены. И награда в негласной номинации за самый гигантский слэм-хоровод на DL-2010 бесспорно достанется этим представителям NWAHM. Сурово насупленные, яростно пыхтящие на протяжении всего сета LOG, под предводительством казавшегося рассерженным Рэнди Блита, сдержали обещание, данное фронт-меном в самом начале: «мы здесь не для того, чтоб дурака валять…» и продолжали провоцировать и поощрять бесчинства беснующейся толпы. В благодарность фанатам Рэнди Блит напутствовал их словами «не слушайте никого – это не имеет значения, кому какое дело – как вы выглядите и что вы носите?!.. просто знайте – вы прекрасны, не забывайте этого!»

Было забавно наблюдать, как самые разные люди – и могучие потомки викингов, перебравшие пива и лежащие ничком лицом в тарелках с китайской лапшой, и многочисленная семья, представители трех поколений – все поголовно в майках с символикой Iron Maiden, и смехотворно-милые пары готов-подростков, изнемогающих от жары в немыслимых штанах из черного полиэтилена, и обнаженные до пояса ради эксгибиционистского наслаждения от демонстрации своих богатых татуировок толстяки – все разом поднялись, встрепенулись и плотным потоком устремились поближе к сцене с первыми звуками прямого и честного, слегка неуклюжего, но 100%-но узнаваемого трэш-металла в исполнении Megadeth. Классики трэша с полным на то основанием предавались ностальгии по ушедшим, золотым для них временам и выдали львиную долю своих хитов из альбома Rust in Peace, чем весьма эффектно и эффективно потрошили и препарировали толпу. Ураганный трэш крошил слушателей не менее устрашающе, чем выглядели крашеные хной кудри автора большинства риффов маэстро Дэйва Мастэйна, отчаянно пытавшегося обрести былую силу голоса… Но в заключении сета в эпической Symphony for Destruction голос вернулся и стало ясно: Megadeth сейчас – это то, что стоит услышать.

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Титаны металла Megadeth проложили свой путь на Главной сцене сквозь трэшевое наследие начала 90-х, уделив особое внимание празднующему свое 20-летие мультиплатиновому шедевру Rust in Peace. Мастэйн нет-нет да шел вразрез с группой, как будто неуверенный в себе фронтмэн-новичок, его лицо часто было скрыто за копной непокорных рыжеватых волос, но, похоже, ближе к концу сета Дэйв обрел уверенность в себе и слегка расслабился, стал общаться с аудиторией, и в таких классических вещах как Sweating Bullets и он, и группа заслуженно купались в аплодисментах, и вызывающий нынче идиосинкразию голос Мастэйна звучал наконец-то так, как звучал на записи 18 лет назад»

Слухи о возвращении в былую форму и на сцену грандов ню-метал из Калифорнии Deftones к счастью оказались нисколько не преувеличенными. Два года назад для Deftones настали по-настоящему трудные времена, когда басист Чи Ченг валялся в коме на больничной койке после ужасной автокатастрофы 2008 года. Если кто-то думал, что группа вернется растерянной, несобранной – он явно ошибся: не те это люди!
Их возвращение в Донингтон было более чем триумфальным и затмило их весьма успешное выступление на DL-2006 – от открывашки Rocket Skates до завершившей сет 7 Words, казалось взорвавшей аудиторию, это было полнейшее, сносящее крышу единение публики со своими кумирами. Несомненно, фронтмэн Чино Морено превзошел себя в элегантно-агрессивной трактовке Passenger с альбома White Pony, спетую в оригинале Мэйнардом Кинаном, и это исполнение войдет в анналы как одни из лучших номеров уикенда.

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Deftones вступали на Главной сцене предпоследними, как раз перед хэд-лайнерами RATM. Ублажая молодую часть аудитории, Deftones определенно утратили интерес более взрослой ее части – приверженцев классического рока, но, несмотря на этот досадный факт, они проделали огромную работу, причем на отлично – все песни сопровождались оглушающими приветственными криками и лесом из тысяч и тысяч воздетых к небу рук»

Многократный участник Даунлоуд Вилле Вало со свой группой HIM был на этот раз обычным и до зевоты предсказуемым во время выступления на RJDS, и если он чем-то и удивил кого-то, то это был кавер на Rebel Yell Билли Айдола, пронесшийся ураганом над залитыми закатным солнцем холмами.
Несмотря на то, что Вилле Вало охарактеризовал в недавнем интервью субботних хэд-лайнеров RJDS как «черезчур эмо», 30 Seconds to Mars были, тем не менее, идеальным выбором для завершения субботней программы второй по значимости сцены Даунлоуд-2010. Предводительствуемые Джаредом Лето, 30STM не только разделяют с HIM любовь к поэтике и бархатным интонациям, но еще и идеально сбалансированы, и наделены природной мощью. Чтобы поддержать их в волшебной The Kill, на сцену поднялся Чино Морено, уже отыгравший на Главной сцене, и позже Джаред вытащил на сцену редактора дружественного издания, еженедельника Kerrang! Николу Браун чтобы вместе с многотысячной толпой спеть ей Happy Birthday to You по поводу ее дня рождения. Завершение сета искрящимся искренностью хитом Kings and Queens, с выдающимися вокальными излияниями, было эмоциональной кульминацией их выступления.
В это время на Pepsi Max stage не кто иной, как Майкл Монро собирался доказать, что жизнь еще бурлит в его жилах и есть еще порох в пороховницах и ягоды в ягодицах, что, собственно, бывшему фронтмену Hanoi Rocks удалось – с поразительной для его возраста сноровкой и ловкостью! Он как пуля пронесся сквозь сверкающий и искрящийся глэмом сэт – с проворством человека, по крайней мере вдвое младше себя, садился при этом на шпагат, вскарабкивался на опоры шатра сцены – в общем показал достойный зачисления в олимпийскую сборную по гимнастике уровень подготовки. Так он же еще и пел при этом как в свои лучшие годы!

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Мне посчастливилось взять интервью у Майкла Монро и расспросить «крестного отца» так называемого hair-metal о его пост-Нanoi Rocks временах, о его борьбе с рекорд-лэйблами, о детстве и о том, как он счастлив выступить на Даунлоуд-2010… но об этом в другой раз.
Michael Monroe band вышли на сцену и с первых звуков начисто снесли крышу как у Pepsi Max stage, так и у всех присутствующих, и сам Майкл Монро, скромный до застенчивости вне сцены и необузданно-энергичный на сцене – пожалуй, едва ли не лучший фронтмэн в истории рок-н-ролла, объединивший в себе основные черты Элиса Купера, Стивена Тайлера и Дэвида Йохансена из NewYork Dolls. Старина Майкл Монро, затянутый в спандекс и кожу, в нелепом макияже, с немыслимым начесом жженых перекисью волос – Майкл непостижимым образом сделал так, что всем показалось, будто скромная Pepsi Max stage этим субботним вечером – это центр Даунлоуд-2010, а у группы это буквально «звездный час» и нет для них большего счастья, чем играть для собравшихся лучшие хиты из прежней карьеры Майкла и новый совместный материал.
Как сам Майкл сказал со сцены с подлинной страстью: «В 1989 я выпустил альбом Not Fakin' It (Никаких подделок) – так я, черт побери, и в 2010-м не опускаюсь до подделки!», и, черт возьми, он чертовски прав!»

Всего неделю назад Rage Against The Machine отыграли совершенно победоносный концерт в Финсбери парк, отпраздновав таким образом со своими верными поклонниками триумфальное восхождение в конце прошлого года на вершину рейтинга Christmas Number One. Кампания, организованная кем-то из друзей RATM в рамках сети facebook незадолго до рождества, была протестом против насильственного перекорма британской аудитории вызывающей тошноту попсятиной в исполнении марионеточных ничтожеств с британской «фабрики звезд» – ТВ-шоу X-Factor и авантюрной попыткой не допустить победы в рейтинге очередного «победителя» это инкубатора безликой безвкусицы. Никто и не ожидал, что за какие-то 12-15 дней до рождества RATM смогут обойти по популярности набивший оскомину продукт массированного ТВ-оболванивания. Это была чистая провокация – и она блестяще удалась! Сегодняшний концерт обещает быть не менее провоцирующим.

Для желающих убедится, что RATM на сцене обладают магической притягательной силой, было достаточно увидеть десятки, если не добрую сотню тысяч людей, подпрыгивающих и танцующих в унисон с битом Know Your Enemy, посвященной сегодня владельцу инкубатора поп-бездарностей X-Factor Саймону Коувеллу. Гигантский слэм-хоровод, или мош-пит, образовался сам собой в течении нескольких мгновений после начала сета RATM. Зак де ла Роча даже был вынужден прервать выступление, чтобы охладить пыл самых яростных бунтарей-буянов и предостерег от дальнейших проявлений бессмысленной агрессии во избежание массовой давки с тяжелыми последствиями… Бесчинства прекратились, слэм-хороводы рассыпались на мелкие кучки танцующих – и танцы, вполне уже безобидные, продолжались повсюду насколько хватало глаз, вплоть до ларьков с пиццей и гамбургерами на горизонте. Зак выглядел более чем воодушевленным, когда толпа пела вместе с ним чудовищно заводную Bomb Track, его неподражаемая ухмылочка растянулась от уха до уха и, заряженный энергией толпы, он скакал и голосил, пока Том Морелло высекал из струн своего Телекастера искры такого мгновенно узнаваемого, но по прежнему зубодробительного рифа. По прошествии всех этих лет – они все еще одна из самых замечательных команд в мире, и радость от того, что они вернулись, что они господствуют на сцене и способны соперничать с любой командой в плане музыкальной состоятельности, заставляют каждого плясать и петь вместе с ними. Кавер на White Riot от The Clash, удостоенная Грэмми Guerilla Radio и потрясающая победоносная Killing in the Name оказались идеальным завершением триумфального возвращения.

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «RATM вышли на сцену отдохнувшими после их триумфа в Финсбери парк, готовыми поражать, потрясать и радовать тех, благодаря кому они с протестно-провоцирующей 'Killing in the Name' вновь вернулись на вершину хит-парадов накануне минувшего Рождества, победив сокрушительным нокаутом выпускника поп-фермы Саймона Коувелла.
Уровень энергии от музыки, которой RATM хлестали восторженные толпы зрителей, был таков, что через некоторое время после начала сета стэйдж-менеджер вынужден был выйти на сцену и что-то сказать Заку на ухо. «Так, О-кей, пипл – нам всем надо успокоиться и сделать два-три шага назад во избежание невинных жертв – это все, что нам нужно» - обратился фронтмэн к зрителям. Это было исполнено, хотя и шло в разрез с декларативным характером победной 'Killing in the Name' – «да пошли вы… я не буду делать то. что вы говорите!» На самом деле, сколь многие из аудитории и поклонников RATM готовы согласиться и следуют за этим посылом 'Killing in the Name' – вопрос открытый. Во всяком случае, все поголовно кричали вместе с Заком 'Fuck you, I won't do what you tell me to' во время исполнения на бис их недавнего хита №1.
Все было в пользу успеха RATM – и прекрасная погода, и восторженные безбрежные толпы фэнов, и главный мессэдж: «если мы объединимся – мы можем изменять мир к лучшему!» Группа купалась в закатных лучах и аплодисментах более чем 100.000 человек, зная, что эти переживания ни группа, ни публика не забудут никогда»

ДЕНЬ ТРЕТИЙ. Воскресение, 13 июня.

Утром в воскресенье десяткам тысяч страдающих от похмелья обитателям безбрежного палаточного лагеря меньше всего было нужно льющее с небес на землю свой обжигающий свет солнце, и всем без исключения хотелось омыть потные тела струями прохладного серебряного дождя, пересохшие глотки – пинтой-другой ледяного пива, а исстрадавшиеся души – задором и угаром самого брутального в мире рок-н-ролла. Что, собственно, и имело место… но обо всем по порядку.

Завершающий день Даунлоуд-2010 был празднеством металла всех сортов и на любой вкус – от гринд-кора в исполнении основателей жанра Napalm Death и мат-кора от The Dillinger Escape Plan до традиционного тяжелого металла от богатырей-хранителей Saxon и недавно созданной супер-группы The Damned Things, от гранжа в исполнении Stone Temple Pilots до пост-гранжа от Stone Sour, от глэм-метал в исполнении ярчайших представителей жанра Cinderella и жестоко пародирующих их The Steel Panther до трэша и даже кроссовер-трэша от ветеранов Suicidal Tendencies.
Все выступления на воскресной Главной сцене, за исключением уныло игравших первыми свой мрачный готик-метал Dommin были, бесспорно, достойны внимания. Постараемся рассказать обо всех, и еще о самых достойных выступлениях на RJDS и других малых сценах.

Ветераны Saxon, переживающие свою -надцатую реинкарнацию, великолепно отыграли свой 30-летной давности альбом Wheels of Steel в ознаменование 30-летия их первого появления в Донингтон Парк – на первом Monsters of Rock. Трудно представить, что в столь почтенном возрасте можно играть хэви-метал с большим задором! Восторженный приём, полученный Saxon, был следствием уважения не к сединам Биффа Байфорда, но к беззаветному служению ветеранов идеалам рок-н-ролла, которые, похоже, как и их фирменный перегруженный гитарный звук, на протяжении всей карьеры не изменились ни на йоту.
Cinderella последний раз играли в Донигтоне в 1987 вместе с Bon Jovi, и, надо сказать, не слишком сильно изменились, добавив немного блюзовой гнусавости в духе Aerosmith – но это даже к лучшему. Gypsy Road и Snake Me были на удивление хороши, да и само появление группы запомнится, как одно из неожиданно удачных выступлений.
Если вы спросите, чьё выступление было более ожидаемым, что было совершенным нокаутом в воскресенье – каждый ответит: это был Slash. Его выступление со столь значительным и заслуженным фронтменом, как Майлз Кеннеди из Alter Bridge, было встречено с таким восторгом, какого заслуживает не каждый из удостоенных быть хэдлайнером! 45-минутный замес из классических хитов времен GnR вроде Paradise City и Rocket Queen и песен с недавно вышедшего сольного альбома нанес публике сокрушительный удар, от которого присутствовавшие оправятся не скоро. Это верный знак – нас, как и самого Slash, еще ждут лучшие времена!

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Slash, бывший гитарный герой GnR, незадолго до своего появления на сцене сказал на пресс-конференции, что сильно нервничает перед неумолимо приближающимся выходом на сцену к столь пугающе-огромной аудитории. «Мне ни разу не доводилось играть перед таким людским морем – в качестве сольного артиста я впервые выйду к такой толпе и чувствую себя уязвимым» Но наш герой напрасно скромничал - не считая седеющих кудрей и поблескивающей серебром трехдневной небритости, Slash все так же великолепен – цилиндр, круглые очочки в духе Джона Леннона, именной Gibson LesPaul и неподражаемый саунд. После слегка нервного начала – соло казались немного смазанными и нервно-небрежными – все встало на свои места: при поддержке Майлза Кеннеди на вокале и весьма энергичных коллег по группе Slash разогрелся настолько, что едва не сжег публику дотла огнедышащими соло. В одной из песен отметился на вокале Lemmy. А на завершение сета Slash приберег такие «зажигалки», как Sweet Child o’ Mine и хит Velvet Revolver Slither (характерно, что Скотт Вейланд из значащихся вторыми в списке выступающих на Главной Сцене Stone Temple Pilots, он же бывший вокалист Velvet Revolver, так и не сподобился выйти на сцену). На энкор была сыграна Paradise City, да так, что мало кто из восторженной толпы слушателей заметил собирающиеся над головой свинцовые тучи, грозившие обрушиться неминуемым проливным дождем»

Лучшие времена не могут наступить сразу и навечно – это доказал дальнейший ход событий: Billy Idol и, казалось, сама природа в прямом и в переносном смысле погасили настроение толпы: под начавшимся внезапно проливным дождем Billy Idol без малого час, не считая принятых «на ура» двух-трех «бессмертных» хитов, пытал слух водостойких слушателей сводящим от скуки скулы новым материалом.

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Billy Idol был не столь удачлив – его часовой сет сопровождался проливным дождем с грозой, начавшимся ровно в момент его выхода на сцену, и не готовая к такому повороту событий публика начала разбредаться кто куда. Для тех же, кто предусмотрительно прихватил плащи и дождевики отставной британский панк Billy Idol устроил целое стрип-представление – по мере усиления дождя и намокания преданной публики, Билли, как мог, мотивировал зрителей, снимая с себя одежду слой за слоем, пока не оказался обнаженным по пояс. Его насквозь промоченная ливнем трактовка White Wedding никогда прежде не звучала столь сардонически…»

А незадолго до этого после пяти не заслуживающих упоминания групп разной степени известности на RJDS ворвались с предсказуемо яростным гринд-кором Napalm Death и обеспечили такой силы встряску, что заскучавший было народ оживился и стянулся поближе к сцене. Suffer the Children и Scum прозвучали как никогда свежо и жестко и основательно добавили бодрости зрителям, затеявшим изрядных размеров мош-пит. В толпе выделялся человек в латексной маске поросенка, чье рыло постоянно высовывалось над головами слэмующих. Это было нечто!
Выступать следом за Napalm Death никому не просто, даже такой многообещающей супер-группе как The Damned Things – а это именно им пришлось принять эстафету на RJDS. Этот американский секстет состоит из участников Fall Out Boy, Anthrax и Time I Die – а это ко многому обязывает. Как ни странно – результат оказался довольно предсказуем: саунд новорожденной группы находится в середине воображаемого треугольника, в вершинах которого – саунд породивших это новообразование «материнских» команд. Что ж, для дебютного живого выступления неплохо, но реальной проверкой потенциала новой супер-группы будет их ожидаемый к концу осени дебютный альбом.

Начало сета The Dillinger Escape Plan, уже выступавших прежде на Даунлоуд, было омрачено разверзшимися хлябями небесными, и, пытаясь приободрить кутающуюся в дождевики публику, вокалист Грег Пучиато провозгласил: «черт с ним, с солнцем – это как-то не по рок-н-ролльному…» и поток мозгоразрушающих рифов и рваных ритмов обрушился со сцены на поливаемых дождем слушателей. Справедливость ради надо сказать, что спустя два года после первого появления TDEP на Даунлоуд, их музыка, которую классифицируют как авангардный метал, стала чуть более осмысленной, а вокал начал приобретать некоторые признаки мелодичности.

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Фронтмэн The Dillinger Escape Plan Грег Пучиато проявил нетипичную агрессию по отношению к хорошей погоде и призвал порадоваться дождю: «Было слишком жарко и сухо – это не по рок-н-ролльному» и швырнул открытую бутылку воды в поливаемую проливным дождем толпу. С одной стороны, опыт присутствия при живом выступлении TDEP заставляет каждого пересмотреть свое отношение ко всему, виденному на этой сцене ранее. Кто-то мог думать, что он видел прежде энергичный хард-кор или мат-кор, по посмотрев TDEP каждый понимает, что прежде не видел ничего в этом жанре… Если во вчерашнем выступлении Cancer Bats всю «погоду» сделал фронтмэн Лайам Корнье, то в TDEP все пятеро – это генераторы энергетической подпитки друг для друга. Каждый из гитаристов терзал свой инструмент и слух присутствующих на всю мощь своих гигантских амп-стэков, басист в перерывах между пассажами размахивал своим басом над головой, держа его наподобие меча или топора, а мокрый до нитки вокалист, ежеминутно рискуя сорваться, метался по самому краю сцены прямо над головами стоящих в первых рядах зрителей»

Можно смело утверждать, что выступавшие на RJDS Porcupine Tree (одновременно с Motorhead, игравшим на Главной сцене) «пострадали» от того, что их музыка более «интеллектуальная» и тонкая, чем, скажем, у тех же Motorhead, поэтому и публика у них гораздо менее закаленная и стойкая, чем брутальные поклонники творчества Лемми сотоварищи. Porcupine Tree отыграли бесспорно классный сет умного, мудреного, изощренного, виртуозного «мозговитого» прога – жаль только, что свидетелей тому из-за неблагоприятных погодных условий было намного меньше, чем они того заслуживают…

Motorhead же, как ни удивительно, являют собой в лице Лемми пример непотопляемости и стабильности и в любую погоду способны удержать перед сценой море преданных фанатов. Хотя, как и два года назад на ДЛ-08, они, увы, не способны продемонстрировать ни малейшей динамики – и сет-лист, и даже реплики между песнями – всё те же. Разве что голос Лемми становится все грубее… Тем удивительнее преданность поклонников… Может быть они любят не нынешнего Лемми, а свою память о собственной и Лемминой молодости?

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Motorhead, похоже, один из немногих, если не единственный, пример группы, не цепляющейся за призрачные атрибуты молодости и демонстрирующей немного натужный юношеский задор. Лемми выглядит еще уродливее, чем когда либо, и это его, похоже, совсем не заботит, а гортанный голос его все больше напоминает тувинское горловое пение, когда он рычит слова своих хитов… Имея за спиной 25 успешных альбомов, любому можно было бы давно почивать на лаврах – но Лемми не таков! Он с прежней энергией и страстью штампует новые нетленки и поет проверенные десятилетиями хиты, как и раньше заканчивая новое, неотличимое от предыдущего, шоу неизменными Ace of Spades и Overkill.
К началу выступления Motorhead на Главной сцене дождь не только не прекратился, но даже усилился – и все на пологих холмах вокруг Донингтон Парк барахтались едва ли не по пояс в скользкой грязи и не думали расходиться. Большинство мокнущих под холодным дождем перед сценой, должно быть решили, что раз уж так вышло с погодой, то единственно возможное поведение – это оторваться по полной: «не догоним, так хоть согреемся!» и устроили мош-пит и крауд-сёрфинг над гигантским, перепачканным грязью, слэм-хороводом, и мало кого останавливали возможные травмы, разбитые носы, синяки и вывихи… Через час после выхода Motorhead на сцену последние звуки Overkill растворились в рёве мокрой до нитки толпы и поднимающихся над ней клубах пара. На прощанье Лемми сказал: «Мы Motorhead, не забывайте нас!» и, судя по лицам в толпе, у него едва ли были основания для беспокойства!»

Невозможно не сказать пары слов о выступлении наших прошлогодних приятелей – Steel Panther. Как сказал кто-то из журналистов Kerrang!: «Кому какое дело, какое вы на самом деле дерьмо, если выглядите НАСТОЛЬКО круто?!!»… тем не менее, мнение на их счет разделилось – одни искренне принимают калифорнийских глэм-металлеров за «чистую монету», другие не менее искренне убеждены, что Steel Panther – глэм-пародисты, причем они намного круче в избранном жанре, чем их предшественники из 80-х, которых они с таким блеском пародируют, да еще и с гораздо большим апломбом! Представители и той и другой фракций армии поклонников Steel Panther составляли весьма значительную часть плотной мокрой насквозь толпы перед RJDS во время их выступления. После их прошлогоднего скандально-триумфального появления на ДЛ-09 публика уже была готова, казалось, ко всему. Но веселым хулиганам удалось припасти несколько сюрпризов – гимн Death to All but Metal, в оригинале записанный с Кори Тэйлором, казалось, взорвал мокрую до нитки толпу, а появление в Asian Hooker гитариста Скотта Иэна из The Damned Things порадовало, наверное, всех без исключения. Steel Panther вновь вернули улыбки на унылые лица поникших было фанатов, их беззлобные подначки и издевательские сексуально-окрашенные тексты вроде бы приветствуют, но и высмеивают классиков глэм- и хэйр-метал, таких как Motley Crue и Cinderella. Как здорово, что незаконнорожденные отпрыски незабвенных Spinal Tap нашли друг друга и, образовав Steel Panther, способны с юмором говорить с публикой о своей неадекватности и сексуальных похождениях. Если вы находите это «ужасным», «возмутительным» и «совершенно недопустимым» - возможно у вас внутри что-то умерло.

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Сказать по правде Steel Panther, вернувшись в Донингтон для второго последовательного участия в Даунлоуд, сумели таки возбудить даже больший интерес публики к своему выступлению, чем в прошлом году, хотя, кажется, куда уж больше?.. да и какого качества этот интерес? Не обсуждая музыкальную составляющую – ну что тут скажешь? – хочется сказать о другом: по видимому, отрабатывая свой имидж «тупоголовых глэммеров», они вошли в раж и вытащили на сцену молоденьких девиц из толпы, похоже несовершеннолетних, и как-то, не прибегая к принуждению, устроили так, что девицы изображали страстное обожание, демонстрировали сексуально-окрашенное поведение и свои незрелые прелести… толпа ревела, но на кого-то, на меня например, этот трюк произвел отталкивающее впечатление»

Хотя настоящие AC/DC отыграли два дня назад, формулу их успеха на RJDS вечером в воскресенье столь удачно интерпретировали их земляки Airbourne, причем с таким огнем и страстью, что собравшиеся как-то перестали замечать льющийся с небес на зрителей и музыкантов ливень. В чем-то Airbourne даже превзошли своих учителей – вряд ли Ангус Янг полез бы, ежеминутно рискуя сорваться вниз, на фермы сцены, как это сделал в Girls in Black очаровашка-энерджайзер Джоел О’Киф. А Джоел полез, не прекращая играть, и завис на самой верхотуре, как будто дожидаясь, пока молния не сделает эту его эскападу величайшим, но, увы, последним его выступлением. Он не слезал оттуда, пока стэдж-менеджер не отсоединил кабель его Gibson SG от усилителя…

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Когда Слэша спросили, кого из «новых» команд он выделяет и считает по настоящему заводными и многообещающими, он не колеблясь ответил «Никого кроме Airbourne!», более того, он добавил – и его взгляд на будущее рок-музыки может показаться довольно пессимистичным – «Новых, сколько-нибудь значительных команд больше не появится, всё, финиш, фулл-стоп!..» Спорное мнение, но что верно – то верно: большинство молодых групп, которые выступали на Даунлоуд-2010, вызывают споры лишь о том, насколько молоды были/будут эти группы, когда достигли/достигнут вершины своего успеха и сопоставим ли будет их успех с успехом хэд-лайнеров, не сходящих с рок-олимпа на протяжении десятилетий? Увы, титаны рок-н-ролла отнюдь не становятся моложе, и не важно сколь они богоподобны – недавняя кончина Ронни Джеймса Дио со всей наглядностью доказывает, что после ухода кумиров заполнить образовавшийся вакуум некому…»

А тем временем на Главной сцене Stone Temple Pilots достойно отыграли свой первый за многие годы британский концерт. Сет был хорош, группа звучала отлично, но даже такие хиты, как Sex Type Thing и Plush, не смогли встряхнуть редеющие ряды наиболее стойких фэнов и переубедить промокшую публику в их уверенности, что вместе с окончательно испортившейся погодой и само фестивальное настроение изменилось к худшему безвозвратно…
Если кто-то и мог бы спасти фестивальное настроение и снова разжечь фанатизм и угар публики, так это воскресные хэд-лайнеры Aerosmith – или, во всяком случае, многие так думали.

С появлением на сцене Aerosmith с беспроигрышной открывашкой Love In An Elevator под предводительством безумного харизматичного (ключевое слово – безумно) Стивена Тайлера – приунывшая было, промокшая и замерзшая аудитория встрепенулась и приободрилась. Я бы даже рискнул характеризовать состояние публики как шок. Состояние эйфории и восторги длились не долго. Еще бы! После стольких месяцев скандалов и спекуляций вокруг таинственного «ухода» Тайлера из группы, публикаций по поводу якобы имевшихся и него и у Перри разногласий и намерений в судебном порядке «разделить» права на группу и на название – долгожданное воссоединение легендарных рокеров со своим блудным фронт-меном происходит здесь в Донингтоне, прямо на ваших глазах!,.. вот только глаза б не смотрели… Стивен Тайлер в каком-то чудовищно гламурном одеянии: расшитом блестками и стразами кафтане, облегающих лосинах под золоченую змеиную кожу, в мягкой широкополой шляпе, шарфике, бижутерии, темных очках в пол лица и с накрашенными черным лаком ногтями – Стивен в гардеробе, уместном разве что для Шер, напоминал пародию на состарившуюся Софи Лорен – ну ни дать ни взять, вышедшая в тираж провинциальная проститутка, решившая тряхнуть стариной. Трудно представить себе что-то более пошлое – даже Steel Panther определённо смотрелись скромнее…Такой весьма спорный выбор сценического костюма предполагал соответствующего уровня «блистательный и искрометный» вокал, однако что-то было не так. После хорового исполнения Don’t Wanna Miss A Thing, после Mama Kin и What It Takes то ли запал угас, то ли к зрителям вернулась способность воспринимать происходящее не восторженно, непредвзято и критически – стало понятно, что все эти скандалы и спекуляции были определенно неспроста: внутренние проблемы Aerosmith привели к напряжению тогда, когда надо было чем-то заполнить зияющую пустоту.
Большая часть сета бостонских рокеров представляла из себя не что иное, как способный даже и в солнечный день вызвать неодолимую скуку бесконечный блюзовый джем на всем известные темы. Скука лилась на зрителей, казалось, вместе с дождем. Весьма неплотная и прежде толпа стремительно редела. Исполнение после ложного ухода Dream On и Walk This Way не могли исправить положения – они прозвучали практически в пустоту. Не самое лучшее завершения такого чудесного в начале и ставшего таким ужасно мокрым дня.

Прямая речь. Уилл Сондерс (УС): «Хэд-лайнеры Aerosmith сделали, кажется, все, на что способны, чтобы поставить ударную точку в завершение Даунлоуд-2010 и встряхнуть, реанимировать полумертвую от дождя, холода и усталости аудиторию, начав с беспроигрышного триумвирата из Love In an Elevator, Back In the Saddle, и Mama Kin, однако эта временная помощь оказалась недостаточной, да и качество шоу оказалось несколько ниже ожиданий. Восторгов не было слышно. Пространство перед сценой пустело, и примерно в середине сета Тайлер поинтересовался из-под своих солнечных очков: ‘what the fuck is goin’ on out there?’ В своем нелепом наряде Стивен выглядел, как будто был уверен, что рожден для выступления перед безбрежными толпами безумствующих фанатов. Он смотрелся, как пришелец с другой планеты… Да, он все еще обладает потрясающим голосом и волнующими интонациями, но что-то не так!.. То ли ошибка с выбором сет-листа, то ли первые признаки потери харизмы – даже караоке-сессия под достойную быть жемчужиной их выступления I Don't Want to Miss a Thing, поднявшая на время хорового пения настроение вымокших до мозга костей зрителей, не смогла спасти положения.
Aerosmith уходили со сцены в тишине, под оскорбительно спокойное поведение немногочисленных водостойких фанатов. Не знаю, было ли это запланировано или нет, но (возможно не стоило этого делать вовсе) группа вернулась на сцену с энкором – и все три песни были исполнены. Жаль, что оценить их смогли не многие…»

Вот такое сырое и унылое окончание получилось у этого практически во всем остальном великолепного фестиваля Даунлоуд-2010, винтажного во многих смыслах, полного великих групп и великой музыки. Еще один, возможно самый грандиозный из прошедших на легендарной площадке в Донингтон Парк, рок-фестиваль завершен.
Что ж, будем скучать по его свободному духу, вспоминать о встречах с рок-кумирами, о концертах, свидетелями и соучастниками которых нам посчастливилось быть, слушать хорошую музыку и… ждать следующего года. Чем нас удивят и порадуют организаторы на Даунлоуд-2011?

И если и есть хоть одна вещь, которая может доказать, что наши рок-кумиры не боги, а всего лишь простые смертные, так это то, что они не могут управлять погодой!

***

Автор: Борис Литвинцев, Уилл Сондерс
Фотограф: Саша Литвинцева, Борис Литвинцев, Awais

Родился 9 января 1944 года в графстве Мидлсекс (Англия).

В детстве Джимми слушал рок-н-ролл, часами просиживая возле радиоприёмника. Он вспоминает: «Когда я услышал запись «Baby, Let's Play House» Элвиса, во мне проснулось желание играть на гитаре. Помню, я услышал две гитары и бас и подумал: “Я тоже хочу так, как они”. В этой музыке было столько энергии и жизни!» Его первой гитарой была копия «Стратокастера». Джимми было 14, и он повсюду искал возможность учиться игре на гитаре. Благоприятным обстоятельством было то, что в его окружении оказались люди, любившие блюз, рок, ритм-энд-блюз. Они собирали эти волшебные записи и давали их слушать тем, у кого не было возможности покупать пластинки. Этот период жизни был важнейшим для Джимми. Его родители не были против гитары, они скорее были рады, что Джимми хоть чем-то занялся помимо изобразительного искусства. Он не расставался с гитарой, и в скором времени в его жизни появились первые группы и первые выступления. Ему было 15, когда вместе со своей скиффл-группой он появился в телевизионной программе ВВС «All Your Own». В коротком интервью Пейдж заявлял, что в будущем хотел бы заняться… биологическими исследованиями. Из воспоминаний Джимми Пейджа: «Я ничего не умел сыграть, как следует – только несколько фрагментов разных соло, и все. Меня вдохновляли Скотти Мур, Джеймс Бёртон, чуть позже Джонни Викс. Потом я стал слушать блюзменов: Элмора Джеймса, Би Би Кинга и других. Из этого родилась некая  смесь рок-н-ролла и блюза».

Первым серьёзным испытанием для Джимми стала группа THE CRUSADERS. «Крестоносцы» гастролировали в ужасных условиях, и Джимми, заработав воспаление гланд, оставляет группу и приводит вместо себя своего друга Джеффа Бека, которого юные коллеги Пейджа забраковывают. А Джимми тем временем возвращается в художественный колледж в Южном Лондоне. Ему всего 18, и будущее представляется ему весьма туманным.

В то время в лондонском «Marquee Club», в этой «блюзовой Мекке», были организованы джэм-сейшны, становящиеся популярными среди музыкантов. Так начинался британский блюзовый бум. Именно там Пейдж привлёк внимание аранжировщика Майка Линдера, который пригласил Джимми в студию в качестве сессионного музыканта. Пейдж оказывается стоящим перед выбором: карьера музыканта или художника? Решение принято, Джимми бросает художественный колледж и идёт на студийные галеры. Музыка поглощает его всецело.

3 года работы Джимми Пейджа в студиях переоценить невозможно. За это время он участвовал в сотнях записей (свыше 50% всех записей, вышедших в Англии), сотрудничая с такими группами, как THE WHO, THEM, THE ROLLING STONES, THE KINKS, DONOVAN, а также с выдающимися исполнителями: Томом Джонсом, Брэндой Ли, Лулу. Джимми научился играть всё, что угодно, с первого дубля и в разных стилях: классику, блюз, рок, фолк и даже джаз. Джимми вспоминает: «Когда я впервые начал играть как сессионный музыкант, я не знал, как читать ноты, но, в конечном счёте, мне пришлось научиться. На первых сессиях продюсер говорил: “Играй, что хочешь. Великолепно”. Но вскоре это уже не спасало. Чем больше сессий я проходил, тем больше им хотелось, чтобы я считал для них ворон на телеграфных проводах» (т.е. играл по нотам, - Ю.П.). Джимми пришлось узнать, как делается музыка, как исполнители взаимодействуют между собой, как аранжировщики из ничего делают конфетки завершённых проектов. Работа с саксофонистом Табби Хейсом, с Бартом Бакара научила его фантастическому пониманию аккордов и гармонии. Джимми успевает делать многое одновременно: записывает саундтрэки к фильмам, пишет множество песен с Бобби Грэмом и Джеки де Шеннон, заводит своё музыкальное издательство («James Page Music»), становится штатным продюсером компании «Immediate», оставаясь при этом самым востребованным гитаристом во всём британском шоу-бизнесе. Студийная работа приучила его к дисциплине в творчестве и впоследствии помогла ему стать для LED ZEPPELIN тем, кем Джордж Мартин был для BEATLES. Но Джимми властно влечёт к себе Его Величество Рок-н-ролл. В феврале 1965 года Пейджа приглашают в THE YARDBIRDS заменить Эрика Клэптона. Но он отказывается и снова прячется за Джеффа Бека, предлагая того вместо себя, как и в случае с THE CRUSADERS.

Jimmy Page, Eric Clapton, Jeff Beck, Jim McCarthy e Chris Dreja

Наступает 1966 год. Джимми уже 21. И его не устраивает участь подневольного студийного раба. Он получает второе приглашение в группу THE YARDBIRDS, где уже уверенно играет его друг Джефф Бек, и принимает это предложение. Джимми берётся то за бас, то за гитару. Вскоре группа едет в трёхнедельное турне по Великобритании, «разогревая» THE ROLLING STONES. Друзья немного «прикалываются», выступая в старых военных мундирах с немецкими железными крестами. Незадолго до этих гастролей группа THE YARDBIRDS c Беком и Пейджем снимается в фильме Антониони «Blow-Up», исполнив композицию «Stroll On». После тура по Великобритании группа отправляется на гастроли по США. Время, проведённое Джимми Пейджем в THE YARDBIRDS, стало для него ещё одной ступенькой «лестницы к небу», на котором судьбой или Богом начертано: LED ZEPPELIN. После ухода Бека из группы уходят и остальные музыканты. Пейдж решает создать свою собственную группу. Он набирает новый состав, названный THE NEW YARDBIRDS. Рядом с ним оказываются: старый знакомый по сессионной работе, басист и клавишник Джон Пол Джонс, вокалист Роберт Плант и барабанщик Джон Бонэм. Вскоре название группы изменяется на LED ZEPPELIN (Свинцовый Дирижабль). Легенда гласит, что название придумал Кейт Мун из THE WHO ещё во времена THE YARDBIRDS, а Пейдж сократил слово lead до led. Кстати сказать, в 2003-м году реанимированная группа THE YARDBIRDS выпустила альбом “Birdland”, на записи которого в качестве гостей отметились Джефф Бек, Стив Вай, Джо Сатриани, Брайан Мэй,  Слэш и Стив Люкатер.

Впоследствии Джимми Пейдж рассказывал: «Пришло время создавать Led Zeppelin, а все мои наработанные идеи уже были словно записаны в блокноте. В общем, огромную пользу принесла как работа в студии, так и в The Yardbirds. Led Zeppelin во многом опирались на этот опыт».

А теперь давайте пробежимся по хронологической схеме истории LED ZEPPELIN со времени её первого выступления 15 октября 1968 года в Университете графства Суррей и до трагического дня роспуска группы, отмечая вехи славного 12-летнего пути в виде выпущенных группой альбомов.

В январе 1969 года выходит дебютный альбом “Led Zeppelin I”, на обложке которого был изображён горящий немецкий дирижабль «Гинденбург». Альбом “Led Zeppelin II” (1969) считается лучшим. Он, по общему мнению,  открыл новые пути для развития рок-музыки. Композиция «Whole Lotta Love» выражает, как сказали бы сегодня, новое мышление музыкантов.

27 сентября 1970 года авторитетный журнал «Melody Maker» признаёт группу лучшей в мире. В этом же году группа выпускает альбом “Led Zeppelin III” с преобладанием фолка и явным влиянием индийской музыки. Кстати, Пейдж был первым из гитаристов, кто приобрёл ситар, и сам Рави Шанкар любезно научил Джимми Пейджа настраивать этот экзотический инструмент.

В 1971 году выходит четвертый диск LED ZEPPELIN без названия на обложке. На этом альбоме записан Суперхит ХХ столетия – рок-баллада Пейджа «Stairway To Heaven» с неразгаданными по сей день стихами Роберта Планта. Пятый альбом “Houses Of The Holy” (1973) был принят публикой с оговорками. Всем стало ясно, что музыканты находятся на перепутье.

В период записи двойного альбома “Physical Graffity” (1975) Пейдж и Плант путешествуют по Марокко. Оттуда они и привезли знаменитый восточный рифф для композиции «Kashmir». Новый альбом “Presence” (1976), построенный на тяжелых гитарных рифах, появился в экстремальных условиях и стал любимым альбомом Пейджа. Гитарист вспоминает: «… запись была сделана восемнадцатью днями после того, как Роберт Плант попал в серьезную автомобильную катастрофу. У Роберта был перелом ноги, и никто не знал, будет ли он снова ходить. Мы должны были уложиться в три недели, так как студийное время после нас было забронировано для Rolling Stones». В альбоме “In Through The Out Door” (1979) преобладают клавишные. Хитами альбома стали «Hot Dog», «Fool In The Rain» и «All My Love» – песня-посвящение Роберта Планта своему умершему сыну. С каждым новым альбомом всем казалось, что успех группы будет только возрастать, и «лестнице в небо» не будет конца. Альбомы продаются, как горячие гамбургеры, на концерты группы собирается до 200 тысяч человек. Однако 25 сентября 1980 года неожиданно умирает Джон «Бонзо» Бонэм, уникальный барабанщик группы. И его коллеги по группе, понимая, что без Бонэма они вместе играть больше не смогут, решают группу распустить, о чём и было официально объявлено 4 декабря 1980 года. В марте 1981 года Джимми Пейдж возвращается на сцену и участвует в шоу Джеффа Бека в «Hammersmith Odeon». В 1984 году Пейдж записывает с Робертом Плантом альбом “The Honeydrippers”, а с Джоном Полом Джонсом саундтрэк к фильму «Scream for help».
После распада легендарной группы её участники выступили вместе (в разных сочетаниях) несколько раз. Например: 13 июля 1985 года на «Live Aid» (с ударником Филом Коллинзом из GENESIS); 14 мая 1988 года на юбилее фирмы звукозаписи «Atlantic» (на ударных вместо покойного Бонэма играл его сын  Джейсон). Спустя почти 20 лет 10 декабря 2007 года в лондонской «O2 Arena» состоялось благотворительное выступление воссоединённых музыкантов LED ZEPPELIN Джимми Пейджа и бас-гитариста Джона Пола Джонса (на ударных снова играл Джейсон Бонэм-младший). 1 июня следующего, 2008 года оба музыканта были приглашены выступить вместе с группой FOO FIGHTERS на Стадионе Уэмбли. И старики показали молодым, что такое рок-н-ролл!

В творчестве супергруппы LED ZEPPELIN соединились блюз и хард-рок, классика и психоделика, английский фольклор и восточный мелодизм – и всё это было намертво сцеплено, скреплено жёсткими гитарными рифами и тяжелыми припевами. Сам Пейдж определил этот стиль так: «много цветов и оттенков, сочетание света и тени». Неслыханное доселе сочетание разнородных элементов вкупе с загадочными текстами песен, виртуозностью и спонтанностью импровизаций Пейджа, необычайным «негритянским» вокалом и губной гармоникой Планта, плывущим звуком органа Джонса, катастрофическим грохотом барабанов Бонэма создавало неповторимую атмосферу звучания группы, новый саунд, новую форму и новое содержание. LED ZEPPELIN стали родоначальниками таких стилей, как «хард-рок» и «хэви-метал». Их творчество, подобно «Большому взрыву», способствовало появлению на свет новых музыкальных галактик: DEEP PURPLE и BLACK SABBAT, URIAH HEEP и NAZARETH, QUEEN и IRON MAIDEN, METALLICA и многих других.

Сегодня мы можем говорить об итогах деятельности группы LED ZEPPELIN. Но деятельность самого Джимми Пейджа продолжается по сей день. Он так же бодр и энергичен, как и в юности. Его постцеппелиновская история ярка и разнообразна. Он выпустил последний, 9-й альбом LED ZEPPELIN “Coda” (1982), составленный из неиздававшихся студийных записей группы. В этом же году вышел его саундтрэк к фильму «Death Wish II» (1982). Пейдж пытается создавать новые группы: THE HONEYDRIPPERS – альбом “Vol. 1” (1984); THE FIRM – альбомы “The Firm” (1985) и “Mean Business” (1986). В 1988 году Джимми Пейдж записывает сольный альбом “Outrider”. В 1990 году он выпускает цифровой мастеринг 26 хитов группы LED ZEPPELIN (альбом “Remasters”). В 1993 году выходит его совместная работа с Дэвидом Ковердэйлом из WHITESNAKE – “Coverdale /Page”, в 1994 году – с Джеффом Беком. Оставив Ковердэйла, Пейдж выступает с Робертом Плантом на MTV с программой «Unledded» и записывает с ним два альбома: “No Quarter” (1994) и позднее – “Walking Into The Clarksdale” (1998).

Новый век Пейдж встречает альбомом, записанным с Джоном Полом Джонсом – “Lovin’Up A Storm” (2000). В этом же году он реализует совместный проект с группой THE BLACK CROWES. Итогом этого союза явился альбом “Live At The Greek”, записанный в 1999 году во время выступления в «The Greak Theatre» в Лос Анджелесе и последующее турне. По итогам этого тура Джими Пейдж получает награду «Grammy» «за лучшее хард-роковое выступление в 1999 году». В 2003 году Джимми выпускает альбом “The West Was Won”, на котором записаны 18 трэков из выступлений LED ZEPPELIN в 1972 года во время турне по США. В 2005 году Джимми Пейдж получает орден Британской Империи за благотворительную деятельность в Бразилии. Годом позже он становится почётным гражданином Рио де Жанейро, и в этом же году получает музыкальную награду «Grammy». В 2006 году Пейдж почти одновременно получил престижную шведскую награду «Polar Music Prize», как «one of the great pioneer of music», а также был введён в Зал Музыкальной Славы Объединённого Королевства. В этом же году Джимми Пейдж выпускает альбом “Mothership” и участвует в записи альбома Джерри Ли Льюиса “Last Man Standing”.

24 августа 2008 года миллиарды телезрителей всего мира в течение нескольких минут могли видеть и слышать своего кумира Джимми Пейджа.  Он выступил на стадионе, на церемонии закрытия Пекинской Олимпиады 2008 в дуэте с Леоной Льюис, победительницей британского реалити-шоу «The X Factor». Они выступали, находясь на превращённой в сцену крыше двухэтажного лондонского автобуса, за рулём которого находился футболист Дэвид Бэкхем. Музыканты исполнили классическую композицию LED ZEPPELIN «Whole Lotta Love» в новой аранжировке, и эта песня в глазах всего мира стала музыкальным символом, гимном будущей Олимпиады 2012 в Лондоне.

В январе 2009 года на Кинофестивале «Sundance Film Festival» был показан документальный фильм об электрогитаре «It Might Get Loud» (реж. Дэвис Гаггенхайм), в котором участвуют трое легендарных гитаристов разных поколений: Эдж (U2), Джэк Уайт (THE WHITE STRIPES) и Джимми Пейдж, чьё имя неразрывно связано, прежде всего, с группой LED ZEPPELIN. Вскоре фильм прошёл по всему миру с триумфальным успехом.

Всё перечисленное – лишь малая часть того, что делает и в чём сегодня участвует гитарист Джимми Пейдж. Последние годы на него сходит лавина всяческих наград и почестей: ему вручают Орден Британской Империи; в очередной раз его вводят в Зал Славы Рок-н-ролла; Университет графства Суррей, где состоялось первое выступление LED ZEPPELIN, награждает Джимми Пейджа почётным званием «Доктора honoris causa». Различные журналы и Фонды награждают его премиями и званиями, вроде «Легенда рока» и т.п. И на фоне всей этой приятной суеты, музыкант продолжает главное дело своей жизни: записывается, выступает и сочиняет новую музыку. Вклад Джимми Пейджа в мировую музыкальную культуру столь велик, что мысль о том, что и через сто лет его гений будет восхищать людей, уже сегодня не кажется нам невозможной.

***

Он основал величайшую рок-группу всех времен, сыграл большую часть классических риффов рока инаписал книгуо продюсировании рок-групп. Но начало карьеры Jimmy прошло в суете работы над поп-записями в студиях Лондона 60-х. Page играл на сотнях записей. Некоторые оставили след в истории, например, «The Crying Game» Dave Berry или сделанный Joe Cocker замечательный кавер битловской «With A Little Help From My Friends», но в большинстве это были проходные ритм-партии или просто «дежурство на подстраховке», на тот случай если очередная начинающая группа не справится с работой в студии.

Иногда Jimmy даже вменялась в обязанности игра на тамбурине, и кроме того, он обнаружил что группы того времени его недолюбливают или не доверяют ему из-за слухов о том, кто на самом деле где играл, особенно когда слава о нем разнеслась достаточно широко. Профессиональная этика Jimmy не позволяет ему распространяться на этот счет, но он охотно признает что, когда его способности не требовались в полной мере, он прописывал риффы для плотности или просто бренчал на акустической гитаре.

Наряду с Clapton и Beck, Page был частью «суррейского братства». Jimmy дружил с уаа со школьной скамьи, а позже завязал дружбу и с Clapton. Page образовал с Beck убойный гитарный дуэт в последней инкарнации Yardbirds и спродюсировал несколько песен John Mayall, на которых играл Eric. Между этими тремя титанами гитары была истинная дружба и здоровый дух соревнования. Так продолжалось до тех пор, пока не произошел некрасивый развал Yardbirds, который настроил Jeff против Jimmy. Кроме того, совсем некстати увидели свет некоторые записи совместных джемов Clapton и Page. Несмотря на то, что в этом не было инициативы Page, похоже, что Eric возложил ответственность на него.

Когда Yardbirds распались, Page не имел ни малейшего желания отказываться от роли рок-музыканта, и тем более возвращаться в хотя и весьма хлебный, но с художественной точки зрения безжизненный мир студийных сессий. Yardbirds заняли в Америке уникальную нишу со своей крайне непростой импровизационной музыки, и хотя дух их живых шоу никогда не был запечатлен на виниле, Jimmy был полон идей. Все что ему требовалось, найти компанию единомышленников, разделяющих его видение.

Услышав, что Page планирует реформировать Yardbirds, точно так же, как и он, разочарованный в студийной работе сессионный басист и аранжировщик обратился к нему с предложением своих услуг. Page неоднократно работал в студии с талантливым John Paul Jones и немедленно принял его предложение. Так совпало, что один безденежный, но самобытный певец только что переехал из Киддерминстера в Лондон в поисках работы и его кандидатура поступила Page от Terry Reid - Reid был первым выбором на роль вокалиста, но не смог принять участие из-за имевшихся обязательств – и продюсера Tony Secunda.

После того, как Page лицезрел Robert Plant в деле на сцене клуба Midlands с исполняющей музыку в духе Западного побережья группой Hobbstweedle, и после того, как двое встретились в на барже, в которой Jimmy проживал на Темзе, и обнаружили, что их музыкальные вкусы практически идентичны, Plant стал третьим по счету участником группы. Последним элементом мозаики стал мощный барабанщик John 'Bonzo' Bonham. Его предложил сам Plant – им уже приходилось вместе работать в The Band Of Joy. Bonham имел опыт работы с Tim Rose и пребывал в раздумьи над одновременными приглашениями от Joe Cocker и Chris Farlowe, поэтому New Yardbirds, как ему представили группу поначалу не показались ему привлекательной идеей. Но Bonzo понимал, какого калибра музыканты обращаются к нему с предложением, и попытки Plant в итоге увенчались успехом.

Химическая реакция произошла мгновенно. Jones позже говорил: “Вся комната будто взорвалась – все глупо ухмылялись. С первого же номера и дураку было понятно, что это сработает». Plant добавил: «Энергетика происходящего была невероятной». Page просто заявил: «Мы знали, что это действительно возбуждает и заводит. После этого мы приступили к репетициям для записи».

Остальное, как говорится, история. Но мы вернемся к самому началу, чтобы из первых уст услышать, как начиналась легенда…

Самой первой Вашей сессией был хит номер один – «Diamonds» записанная бывшими участниками Shadows, Jet Harris и Tony Meehan.

На самом деле, перед этим у меня уже была сессия, с басистом Teddy Whadmore, о которой никто не знает. Я даже не знаю, была ли эта запись когда-либо издана, но у нее было название – «Feeling The Groove». Это Glyn Johns пригласил меня записывать Diamonds. Diamonds сама по себе прошла нормально, это просто были аккорды, бренчание по всей песне. Но когда дело дошло до записи стороны В на сингле, мне выдали написанные ноты, и я не мог по ним ничего сыграть. Я просто не понимал, что они означают, поэтому после этого я меня некоторое время не видели (смеется). У Glyn была замечательная идея, подписать меня на эту работу, но аранжировщик написал эти закорючки, а я не умел читать ноты. Но немного позже сессии посыпались как горох, благодаря лейблу Carter Lewis And The Southerners, который оккупировал нижние строчки чартов. Ну-ка, кто там играет на этой записи? Нужное время, нужное место, буквально.

После этого мне сказали, играй что хочешь, и это было сказкой. Они знали, что у них есть гитарист, который знает, что происходит на музыкальной сцене, а остальные музыканты были из предыдущего поколения: Vic Flick, Jim Sullivan и тому подобное. Они были немного старомодны, со всеми фишками, которые повлияли на то, что слушали мы.

Вы присоединились к Yardbirds уже после того как выстрелили их главные синглы, и они стали в первую очередь гастролирующим коллективом. Но даже с учетом этого, разница между их музыкой и тем, что играли Led Zeppelin была грандиозной. Что произошло в переходный период?

На самом деле, в Yardbirds для все эти направлений находилось место в рамках свободной формы или, если угодно импровизации. После того как Jeff ушел, я стал придумывать свои собственные фишки внутри этого формата. Кроме того, я слушал много разных источников музыкальных идей, в отличие, быть может, от остальных. Если бы вы спросили Jeff, он бы так и сказал. Это могло быть что угодно от классической музыки до Ravi Shankar, но кроме того, я серьезно углубился в фолковый аспект музыки, потому что я же играл на гитаре с шестью струнами. Я слушал кантри,-блюз, а потом внезапно открыл для себя парней, которые разрабатывали технику пальцевого звукоизвлечения. Мне говорили про Sandy Bull, а я говорил, что не знаю никакого Sandy Bull. О, говорили мне, ты просто обязан послушать еще этих парней: Bert Jansch, Davey Graham и Gordon Giltrap. Я пытался продвигать все это в группе, но остальным это было неинтересно. Поэтому, к моменту, когда Keith Relf и Jim McCarty тоже опостылели Yardbirds, я подумал, что в точности знаю, что хочу делать. У меня на тот момент было хорошее представление о том, что творится на радио – они крутили альбомы, и самые клевые группы не разменивались на синглы. Это превратилось в очень эстетскую фишку, когда люди выкладывались на сцене, и не подходило для выступлений на телевидении под фанеру.

Поэтому появилось целое новое течение, и у меня были готовые задумки относительно того, что должно быть на первом альбоме. Я запланировал такую песню как «Babe I'm Gonna Leave You», которую, верьте или нет, я впервые услышал в исполнении Joan Baez. Но аранжировка вывела эту идею в измерение, о котором раньше никто и не мечтал. Первый альбом настолько полон весьма радикальных для своего времени идей, хотя они были сильно ориентированы на блюз.

Знаменитые записи Вашего джема с Clapton: что же произошло на самом деле?

Bluesbreakers играли в Путни, и Eric заночевал у меня в гостях. У меня был магнитофон Simon, на который можно было писать напрямую. Поэтому две гитары подключили прямо к нему, и я просто записал, как играю вместе с Eric. Это случилось практически сразу после того, как меня попросили спродюсировать несколько вещей John Mayall's Bluesbreakers – Я тогда сотрудничал с Immediate и это было еще до перехода на Decca. Поэтому я провел одну сессию, сделав «Witchdoctor», «Telephone Blues», «Sitting On Top Of The World» и «Double Crossing Time», и сказал лейблу о том, что записал с Eric. Они сказали, что Eric находится под контрактом и права на запись принадлежат им. Я показал им запись – я просто хотел воздать должное Eric, как слушатель – и они захотели это издать. Я сказал, что этого нельзя сделать, но в итоге были дописаны другие инструменты ( кое-что некоторыми из роллингов) и запись увидела свет.

Что Вы думаете насчет уникальной ситуации – великой гитарной троицы?

Вы имеете ввиду Eric, Jeff и меня? Наверное, в нашей части Суррея что-то с экологией (смеется). Это довольно занятно, поскольку мы родом из очень небольшой окрестности, не так ли? Что очень примечательно, так это то, что каждый из нас – и большинство гитаристов из групп того времени – поступил в художественный колледж. Как вам совпадение? Еще я могу сказать, что по мере того, как Eric, Jeff и я развивались, у нас всех были друзья, которые собирали записи, и это очень помогло нам на нашем пути, каждому очень индивидуально, конечно.

Какие были Ваши впечатления от появления Jimi Hendrix?

Я решил, что это великолепно. Когда он впервые приехал, я работал сессионно. Ко мне пришел Jeff и сказал, тут есть один безумный человек, просто фантастический, он делает то, делает се. Вся трагедия в том, что у меня так и не сложилось увидеть его живьем. Ни разу. А весь кайф был в слуховом и визуальном контакте с Hendrix, не так ли? Но как раз стартовали Zeppelin, и когда он играл в Albert Hall, я сказал себе – в следующий раз. Но все завертелось так, что следующего раза уже не было. Я видел его только один раз, когда был в туре с Zeppelin, и в клубе крутили фильм с концертом в Монтрё. И я только ахнул. Так что я даже фильм с ним увидел далеко не сразу.

Если попросить людей описать Led Zeppelin в одном слове, многие скажут – риффы.

Да, если задуматься о сути риффа, то это гипнотический момент, это идет от блюза, который происходит из Африки. Мы тогда об этом не задумывались. Я недавно разжился бутлегом нашего концерта в Орландо, и во всех паузах между песнями я играл всякие риффы. Мне кто-то поставил эту запись, и я подумал, е-мое, это реально клевые риффы! Я потом их больше нигде не использовал, и они появились просто под влиянием момента. Это был период вдохновения, вокруг было много вдохновленных людей, и мы все были на гребне этой волны.

Ваши соло, особенно на первых двух альбомах звучат так, как будто Вы присели на минутку и сходу их сыграли.

Вы имеете в виду такие соло как в «Communication Breakdown»? Да, тогда многое происходило именно так – глубокий вдох, и понеслась. Позже настал момент, когда мне приходилось задумываться, а с чего же я собираюсь начать? Так было на таких песнях, как «Stairway…». Тогда нередко получалось так, что все каналы на пульте были уже задействованы, и оставалось только, записывать соло на ту же дорожку, что и вокал – на пустой участок вокальной дорожки, буквально втискиваться. Обычно я предпочитал записать три дубля соло на разных дорожках и выбрать лучший. Если из трех дублей, даже если нарезать из трех один, ничего не получается, значит не стоит и пытаться дальше. Не было смысла ковыряться целую ночь, потому что творческий пик проходит достаточно быстро. Вся идея заключалась в том, чтобы сделать глубокий вдох и заранее проникнуться атмосферой песни и пронести это через всю работу. От первых дублей до наложений, мелких нюансов, вокала и потом подвести под этим черту – все за один присест! И действительно необходимо быть в нужном состоянии. Просто так я привык – глубокий вдох и вперед. Были гитарные партии, которые прорабатывались по ходу работы над песнями, это ясно, но в том, что касалось соло, я всегда хотел сохранить в них элемент спонтанности, хотя бы и с огрехами. Можно что угодного говорить про мою технику, но это было именно так: закусил губу, и в бой.

В Led Zeppelin Вы много играли слайдом, только откуда Вы это переняли – из кантри или блюза.

В самый первый раз я попытался играть слайдом именно блюз: это была вещь Elmore James «Dust My Broom». Опять же, ее поставил мой приятель-коллекционер записей, и я даже не знал, что именно я слышу. В то время, все, что у меня было – кусок автомобильной подвески: никто тогда еще не додумался распиливать микрофонные стойки (смеется). Я пытался сделать слайд из бутылочного горлышка, но получилось не очень удачно, поэтому я остановился на стали (смеется), да и резать стекло – не лучшее занятие для гитариста. Я начал с такой отправной точки, а позже выработал и другие фишки. Но вокруг были конечно и другие аспекты слайдовой игры на любой вкус, например у Santo And Johnny. У них была вещь «Summertime» и она была ошеломляющей, ноты в ней возникали бог знает откуда, это просто пугало. Но как и все, что я играл, не было совсем традиционным. Я старался адаптировать все, что умею, к тому, что требовала песня.

Были ли песни аранжированы заранее или они оформлялись прямо в студии – вот, например, импровизационная секция в «Whole Lotta Love», for instance?

Весь этот звуковой шквал в середине Whole Lotta Love был придуман заранее, но конечно, он органично вписался и развивался. Там были все эти завихрения и скачки громкости, прямо как в фильме «Jurassic Park» (смеется)

Как Вы научились мастерству продюсирования?

Однажды на заправке я купил старую запись Buddy Holly, это была одна из работ с хором, и это был в несколько попсово. Но, прежде чем я до этого добрался, я прослушал первую песню Peggy Sue. И сразу же я заметил, что можно слышать, как в начале каждого барабанного рисунка, инженер открывает реверберацию. Я забрался в гостиную дома моих родителей в Эпсоме, слушая все подряд и как каждый нюанс отражается в изменениях звуковой картины. Кроме того, я переслушивал некоторые работы продюсера Joe Meek и помню, что в них было сильно заметно срабатывание лимитера. Переслушивать это сейчас тренированным слухом очень занятно, а в то время, я старался имитировать все эти изменения звуковой картины, которые я слышал отовсюду, хотя возможно я слушал тогда более поверхностно.

Я очень пристально прислушивался к тому, как поступали с вокалом и гитарами на любых записях от Ricky Nelson до Gene Vincent и Elvis – особенно на том, что записывалось, на принадлежавшей Sam Phillips студии Sun Studios. Я всему уделял много внимание, и когда появились лимитеры и компрессоры Joe Meek, то все это начало становиться частью общей системы.

Я должен сказать следующее, у меня был альбом, записанный Dick Rosmini, под названием « Adventures For 12-String, 6-String & Banjo» и там был лучший на тот момент звук акустической гитары, что я когда-либо слышал на записи. Американский певец Jackie De Shannon, с которым я работал, знал Dick Rosmini и спросил его, как он это записал, a тот ответил, вам нужен лимитер RCA. Но очень быстро получилось раздобыть такой же, но после того, как я его заполучил, многое изменилось. Все это было частью обучения – слышать и узнавать. И шаг за шагом у меня начали появляться все эти идеи насчет того, чтобы зарядить ленту задом наперед, обработать ее эхо, после чего зарядить обычным образом и получить таким образом обратное эхо. В то время это был радикальный эксперимент.

В определенном роде, Вы задали направление продюсирования рока так же, как в свое время The Beatles и George Martin сделали это в поп-музыке. В какой степени вы задумывались об их вкладе?

Никакого сомнения, George Martin творил чудеса. Я, кстати, был на самом первом концерте The Beatles в Лондоне, по-моему, в Walthamstow Baths. «Love Me Do» только просочилась в чарты, а «Please Please Me», которую они играли в тот вечер, еще не была выпущена. Но их принимали не очень хорошо и я даже расслышал, как John Lennon ругался: «хренова лондонская публика». Но, разумеется, вскоре все изменилось

Дело было в том, что я уже ценил достаточно много разных музыкантов и групп с юга страны, поэтому я не был сильно впечатлен ими на концерте, и еще меньше, когда послушал альбом. Меня не трогало то, что они могут петь «A Taste Of Honey» на три голоса, а из-за того, что они пели «Please Mr Postman», я не мог их воспринимать всерьез. Но если задуматься то, через совсем малый промежуток времени они записали «I Am The Walrus» и «Blue Jay Wa» - не слабо! Вот тут и надо наворстрить уши. Это же совершенно другое дело. Поэтому я бы сказал, что помимо того факта, что они полностью революционизировали музыкальный бизнес в том плане, что люди стали прислушиваться к группам, которые сами писали песни, и это открыло перспективы для всех остальных, они действительно прогрессировали и развились во что-то потрясающее. Я так же очень любил вклад George Harrison.

Первый альбом был записан с минимумом оборудования, но Ваш арсенал гитар и усилителей рос вместе с Вашим успехом. Не могли бы Вы рассказать о самом известном своем оборудовании?

На первом альбоме я использовал маленький усилитель Supro, квакушку, педаль Tonebender и все. Практически все на этом альбоме было сыграно на The Telecaster. Со времен Yardbirds я унаследовал усилители Super Beatle, и их я использовал на втором альбоме. Они были великолепны. Затем я, разумеется, перешел на Hi-Watt, а потом остановился на Marshall. У меня еще были смешные кабинеты, оставшиеся от усилителей Rickenbacker. Эти усилители были так себе, потому что я не люблю транзисторы, мне нравится ламповая техника. Мне нравится, когда все светится от того, что ты взял аккорд, это голубое свечение.

Второй альбом был записан на Les Paul, который я гонял в хвост и в гриву. Я был не прочь привнести в процесс другие гитары, ради их звуков. Было бы по-своему хорошей идеей, если бы я проникся Stratocaster, но на практике я влюбился в звук Les Paul. Я мог извлечь из него столько звука. И он был очень комфортабельный в игре. Довольно странно, поскольку то, на чем я вырос – записи блюза и рокабилли – исполнялось на Strat. Leo Fender придумал все эти

Я обзавелся двухгрифовой гитарой специально для исполнения «Stairway To Heaven» живьем. Я записал песню, а потом ломал голову, как буду воспроизводить это на сцене. Так что появилась гитара специально под этот номер. Я обычно ставлю переключатель в среднее положение, так что обе половины работали одновременно. Таким образом каждая половина отзывается на то, что происходит на другой. Я так делал в финале песни.

Есть еще интересный момент, на который я хочу обратить внимание. Когда я набирался опыта, то обнаружил, что не могу подтягивать первую струну так, как я это слышал на записях. Поэтому я ставил первую струну от банджо -.008 – на все, на чем играл. Я покупал комплект струн Fender или Gibsons, ставил их первую струну в качестве второй и так далее, а шестую выбрасывал. Вот какой был фокус – я думаю, что Eric делал то же самое. А уже когда я отправился в Лос-Анжелес с Jackie De Shannon и отправился в местный музыкальный магазин – я пытался встретить James Burton если повезет – и мне сказали, что я могу купить готовый комплект.

Как правило, на Les Paul всегда стояла «восьмерка». Правда позже, в 80-е, когда люди принимали странные решения – что они играли и как выглядели… (смеется). Думаю, я не так плохо выглядел в 80-е, но я точно сменил калибр, потому что вокруг было полно жестких комплектов. Я подзабыл, что часто очень хороший гитарный звук получался на довольно тонких струнах.

Как продюсер, который в деле со времен ламповых пуль и древних технологий, что Вы думаете по поводу современных достижений записи?

Если бы я был волен выбирать, я бы по-прежнему записывался в аналоге. Греет душу то, что как я слышал, в Ист Энде есть студия под названием Toe Rag, в которой есть все старое железо. Я думаю, они выкупили это у EMI, и это все ламповая техника. Там записывали альбом «The White Stripes» и тому подобное. Но я скажу вот что: главное, чтобы было хорошее помещение, в котором играют, потому что все будет зависеть от его акустики. Не звучит ли все слишком вплотную или наоборот не многовато ли «воздуха».

Мне доводилось работать в ProTools, но в цифре микшировалось записанное через аналог. В первый раз я работал, перегоняя с аналога на полную цифру, в проекте с изданием новых DVD. У меня было много чего на перегонку, и я подумал, что микшировать придется недели две. Но когда пять или шесть недель спустя я все еще перегонял на цифру, я подумал – о, господи! Но зато в ProTools можно очень многое сделать, правда полученный CD нельзя прокрутить назад, чтобы услышать послание от Сатаны (смеется).

Вы довольны получившимся DVD?

Это эпос! Я залил весь концертный материал, который у нас был, оказалось на удивление не так много. То есть, ты думаешь, что у тебя, к примеру, есть запись трех выступлений в Earl's Court, а на деле оказывается, что в первый вечер сломалась передвижная студия, во второй не прописалась бочка, и так далее. Но я раскопал два выступления 1972 года, которые, как я помнил, были действительно удачными. Мне всегда хотелось зафиксировать, как мы выступаем в Лос-Анжелесе, потому что там мы всегда играли в лучшей форме. У меня есть об этом воспоминания, от которых внутри что-то оживает – это касается и Yardbirds и Zeppelin. В Лос-Анжелесе всегда все шло фантастически, и я, надеюсь, что мне это не просто кажется. Каждый участник группы отдавал на этих концертах лучшее и выкладывался на 150 процентов. А когда мы все четверо играли так, мы вместе образовывали пятый элемент. Это было волшебство, невероятное.

Вы когда-нибудь представляли, что 30 лет спустя люди будут играть Ваши риффы в гитарных магазинах?

Про гитарные магазины не думал. Но я был уверен в качестве нашей игры и мощи наших объединенных усилий, и я знал, что мы делаем действительно хорошую музыку. Не хочу показаться претенциозным, но она была немного более интеллектуальной, чем кое-что из того, что играли в то время. Я думаю, что она выстрелила, потому что в ней было так много нюансов и измерений. Всегда надеешься на то, что это выдержит проверку временем.

Были ли бы Led Zeppelin столь же успешны, если бы группа начала штамповать синглы и подстраиваться под прессу, как другие группы?

Нет, если бы мы начали кривляться под фонограмму в Top Of The Pops, нам пришлось бы делать очередной альбом похожим на то, с чем мы засветились раньше. Это ужасный капкан, потому что причина тому, что все альбомы отличаются кроется в том, что мы все подводили черту под тем, как мы себя ощущали в соответствующий момент. Это были очень честные манифесты. Это было тем, что было, потому что не было ничем иным.

Снимаем покров тайны над арсеналом Jimmy Page с помощью гитарного техника легенды, Clive “Binky” Brinkworth, который рассказывает о личных гитарах звезды.

GIBSON EDS-1275 DOUBLE-NECK

Выпущенная под серийным номером 911117 гитара – бесспорно, самая знаменитая из всего арсенала Page. Она была выпущена в 1968 году, а приобретена в 1971 году исключительно для исполнения «Stairway To Heaven» на сцене.

«Все, что я могу сказать, так это то, что это чертовски хорошая гитара», - смеется Binky, - «Все старые гитары в хорошем состоянии, они все работоспособные. Мы даже берем эти гитары на гастроли… Я хочу сказать, они незаменимы. Я не перестаю говорить Jimmy, что мы просто не должны брать эти гитары в тур, это слишком ответственно. Надзирать за такими инструментами – это кошмар. На деле, на концертах, как только мы выставляем их, я сажаю рядом с гитарами охранника».

GIBSON LES PAUL STANDARD: «LP1»

Основная концертная гитара Page с самых ранних дней Zeppelin, этот выпущенный в середине 1958 года экземпляр не отличается настолько волнистым кленом, как многие его ровесники, всплывающие в последнее время на рынке. Судя по внешнему виду, гитара провела на сцене больше, чем сам Les Paul за всю свою жизнь– на ней много шрамов, она утратила серийный номер (потеря в процессе очередного ремонта), а на бриджевом датчике долгое время не было никелевой крышке (хотя в итоге его заменили. Вопреки распространенному мнению именно эту гитару Page получил в подарок от Joe Walsh (Eagles).

GIBSON LES PAUL STANDARD: «LP2»

Этот инструмент был выпущен в 1959 году и был капитально переделан Page. Гриф был ошкурен так, чтобы походить на «LP1», а под пикгардом расположено несколько микропереключателей для обеспечения разных вариантов распайки датчиков.

«На «LP2» четыре переключателя под пикгардом и сам Jimmy признает, что это многовато! У «LP1» просто переключатели «push/pull» на ручках тембра», - поясняет Binky, - «Звук «LP1» и «LP2» отличается, мы их как-то сравнивали, и «LP2» как бы помясистее, погромче чем «LP1». Мы были на Gibson и я пытался получить тот же звук, но это было все равно, что копировать скрипки Страдивари, понимаете? На концертах используются преимущественно «LP1» и «LP2», но вообще, на определенные песни мы берем и другие гитары. Когда Jimmy играет смычком, он не берет LP1, а использует Les Paul, который сделал ему работавший в Gibson Custom Shop мастер Roger Giffin .

DANELECTRO

Гитара Danelectro, которую можно было видеть в руках Page – скорее всего 3021 'Standard Shorthorn', но что доподлинно известно, гитара была собрана из лучших частей двух разных моделей. С целью обеспечить стабильность строя оригинальный бридж был заменен на куда более солидный Badass.

GIBSON JIMMY PAGE LES PAUL

Именная модель Page базируется на эргономике и схеме коммутации «LP2», и имеет ни много ни мало 4 потенциометра «push/pull», обеспечивающих 21 вариант коммутации звукоснимателей переключая последовательную и параллельную распайку, отсечку катушек и фазу звукоснимателей. Дополняет картину факсимиле Page на пикгарде. Гитара выпускалась в 1997-98 годах, после чего была снята с производства, а ныне снова вернулась в немного другой версии в варианте от Gibson Custom Shop.

АКУСТИЧЕСКИЕ ГИТАРЫ

Page до сих пор остается одним из самых искушенных исполнителей на акустике в рок-музыке, и его основной инструмент – это дредноут Martin D-28, который предположительно сделан в середине 60-х.

«У Jimmy до сих пор этот Martin, который он использует только в студии. Недавно к нему вернулась Harmony Sovereign, на которой записывался первый альбом цеппелинов – он некогда подарил ее Залу Славы Рок-Н-Ролла вместе со своим костюмом в драконах! Я не знаю, как он от них откупилось, но, в общем, мы дали и что-то взамен, и заполучили инструмент назад, потому он замечательно звучит на записи. Но на концерты мы берем двухгрифовый Ovation и Yamaha, которые сделаны специально для Jimmy».

FENDER TELECASTER

В закромах у Jimmy хранятся два Telecaster.

Первый – модель 1958 года, подарок Jeff Beck бывшего коллеги по группе Yardbirds, который был разукрашен психоделическими разводами.

Второй, годом постарше, покрыт очень необычным оттенком корчиневого цвета Botswana. У гитары палисандровая накладка и она модернизирована при помощи Parsons/White B-String Bender.

УСИЛИТЕЛИ

К некоторым секретам касательно усилителей, которые Jimmy раскрыл в интервью, Binky добавляет несколько фактов от себя.

«Мы пришли к Jon Henry с горой усилителей, включая множество его старых, и двумя кабинетами. Один очень старый Marshall, и один старый Orange. Не знаю, было ли дело в качестве древесины, используемой в то время, но они звучали очень хорошо. А кабинет Orange был на самом деле выкрашен в черный цвет, такой он был старый!

Один из усилителей, которым мы пользуемся, называется Petersburg – русская копия усилителей Ampeg. Peter Cornish немного доработал его для гастролей – чисто по механической конструкции. Другой усилитель – это Orange AD30. Petersburg обеспечивает громкость, а Orange добавляет теплоты. В последний раз мы их использовали на фестивале в Монтре, когда Jimmy играл с Robert Plant. Они звучали невероятно. После того, как ты не слышал их с полгода это было просто: «Ничего себе!». Так что имеет смысл все попробовать.

Конечно же, у Jimmy по-прежнему хранятся его старые Marshall, старые Super Lead. К тому моменту, когда он прекратил ими пользоваться, они были уже кем-то давным-давно модифицированы. И мне сейчас пришлось переделывать все обратно: они теперь звучат намного лучше! Мы используем их в студии, но никогда не тащим в тур. И конечно же, у нас есть замена для Petersburg и Orange.

ЭФФЕКТЫ

«Их не так уж много. У нас само собой, есть Echoplex, который мы до сих пор используем и сделанная Peter Cornish «доска» с педалями: квак, октавер и разные старые эффект BOSS. Jimmy постоянно говорит что он бы предпочел использовать что-нибудь попроще, потому что работа Peter Cornish стоит очень дорого. Но я ему отвечаю, Джимми, это вещь на годы, когда бы ты ее не включил, она все время работает, за это ты и платишь. То есть для меня это тоже здорово, потому что я могу быть спокоен за эту штуку. Вот что главное!»

***

Источник: Guitarist. Перевод - Александр Авдуевский

«Это как в единоборствах: сначала ты тренируешься, а потом выдаешь все, чему научился. Если вы прислушаетесь, запись на альбоме очень выверенная и проработанная. В результате долгих часов работы получился альбом всего на 55 минут»

«Мне очень повезло в детстве, потому что не надо было работать. Я лишь ходил в школу и играл на гитаре»

Долгое время John5 был весьма неплохим сайдменом: еще до того как Джон Лаури перевоплотился в John5, он гастролировал с вокалистом Van Halen Дэвидом Ли Ротом. Рок- биография John5 в ключает в с ебя также сотрудничество с Мэрилином Мэнсоном (который и придумал кличку «5»), Робом Хэлфордом из Judas Priest и с группой Роба Зомби, которое продолжается по сей день.

Но фэны непреклонно требовали у John5 сольных альбомов. Первые два диска – Vertigo и Songs For Sanity – дали музыканту возможность продемонстрировать, на что он способен именно как гитарист. Последний амбициозный сольный альбом The Devil Knows My Name раскрывает во всей красе альтернативную составляющую John5, скрупулезно дублирующего соляки и растягивающего композиции до восьми минут. Пластинку не обошла стороной и масса приглашенных звездных гитаристов, которые внесли свое восприятие перегруженных риффами треков.

Рабочий процесс.

«Мне хотелось выпускать в год по альбому, но гастроли отнимают слишком много времени, так что процесс слегка затянулся, – говорит Джон. – Многое было написано во время тура с Робом Зобми. Я планировал просчитать все нюансы, на что также ушло время. Сначала нужно было «интро», которым стала композиция First Victim, потом – финальная песня, то есть July 31st (The Last Stand). Моей целью была не куча сумасшедшего бреда, а продуманные и организованные треки с мелодическими припевами». P>Сочиняя музыку, John5 не всегда придерживается жестких формул. «Иногда я отталкиваюсь от риффа, иной раз песня рождается с припева. Разные подходы бывают. P>На последнем альбоме есть вещица – Bella Kiss – в духе Behind The Nut Love, где используется иной строй, теппинг, а также подтягивание за порожком [когда вы нажимаете на струны за порожком, чтобы повышать звук]. На First Victim я играл скрипичным смычком, а также подключал педаль Bass Micro Synthesizer, чтобы добиться злого и жесткого звучания».

Сведение треков

При записи некоторых композиций John5 отходил от стандартной последовательности, которой пользуется большинство музыкантов: ударные, потом бас, потом гитара. «Дома я всегда играю под метроном. Так, и при записи мелодий я играл под метроном, в том числе и в студии, чего я не делал никогда ранее. Мы начинали с клика и гитары, а потом прописывали ударные партии».

«Еще одним новаторством стало дублирование гитарных партий, чтобы они звучали сочнее и жирнее. Так как мой продюсер [Сид Риггс] – не большой любитель студийных трюков, то пришлось все прописывать вручную. Где- то на середине первого трека я понял, что это чертовски сложно, так как необходимо выдерживать идеальный ритм и идеальный строй. Но нельзя было останавливаться на середине пути.

Кстати, там есть и гармонические аккорды, которые появляются, когда дублирующая партия отклоняется от первоначальной мелодии».

Студийные заморочки

Те, кто хоть раз работал в студии, наверняка знают, что, если попытаться все записать с наскока, без подготовки, вряд ли получится что-нибудь дельное. Когда требовательный Джон записывал свои незаурядные партии в перерывах между концертами, качественная подготовка была безоговорочной.

«У меня очень требовательный продюсер, так что приходилось готовиться с особым тщанием.

Прежде чем записываться, я все достаточно долго отстраивал, потому что нелегко вот так сразу прийти и начать импровизировать, поэтому все – от звучания до гармоний – было продумано заранее. А так как писались мы вечером, халявить было некогда».

«Это как в единоборствах: сначала ты тренируешься, а потом выдаешь все, чему научился. Если вы прислушаетесь, запись на альбоме очень выверенная и проработанная. В результате долгих часов работы получился альбом всего на 55 минут».

Звездные гости

Как и в случае с предыдущим альбомом Songs For Sanity, John5 созвал сливки электрогитарного общества, дабы те отметились на The Devil Knows My Name. На этот раз главными героями стали Джим Рут из Slipknot, Джо Сатриани и Эрик Джонсон. «В списке тех, кого я хотел пригласить, эти парни были на самом верху».

К сожалению, из-за гастрольных проволочек гости не смогли сами приехать в студию, поэтому пришлось посылать им миксы, чтобы они прописали свои дорожки. «Это, конечно, отстой, – говорит Джон, – но уж лучше так, чем совсем никак».

Уважение к этим гитарным богам побудило John5 дать им полную свободу. «Я не давал никаких наставлений, а просто сказал: вперед! Единственным исключением стал Эрик Джонсон, которому я поручил самый что ни на есть тяжеляк, намеренно выводя его за рамки типичной для него музыки».

В результате Джонсон приукрасил свой фирменный сладкозвучный тон медленным фейзером.

«Он хозяин звука, и в этот раз он как всегда был неподражаем. Каждый проделал колоссальную работу, чем я очень горжусь».

Главный трек

Когда мы спросили Джона, какая из композиций с нового The Devil Knows My Name самая любимая, он, как и следовало ожидать, ответил: «Я горжусь всеми». Но ведь должна же быть та единственная, которая стоит впереди остальных? И ключ к ответу мы нашли, когда задали вопрос о классическом кавере Welcome To The Jungle Guns N’ Roses…

«Мне очень повезло в детстве, потому что не надо было работать. Я лишь ходил в школу и играл на гитаре. У нас даже была домработница и все такое. И хотя я мечтал перебраться в Лос-Анджелес, чтобы сделать музыкальную карьеру (я стремился стать не рок-звездой, а просто сессионным гитаристом), мне не очень-то хотелось оставлять «территорию комфорта».

«Клип Welcome To The Jungle я впервые увидел в 16 лет, и это стало последней каплей, чтобы я принял решение уехать. Я сел в машину и отправился в Голливуд.

Может быть, это звучит несколько сентиментально, но причиной переезда была Welcome To The Jungle.

Я хотел непременно переиграть эту песню. Помнится, я рассказал об этой идеи своему хорошему другу Слэшу, от чего он был просто в восторге».

Напоследок John5 д ает с вой совет всем гитаристам: «Играйте медленно, и чем больше, тем лучше. Даже смотря телевизор, держите в руках гитару и не прекращайте перебирать пальцами, это все окупится. Таков мой подход».

«Я заимствую всего понемножку у разных музыкантов и превращаю это в собственный стиль. И наверно, именно так живет музыка уже многие столетия».

***

Материал GuitarsMagazine